conclusion dissertation baudelaire

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Charles Baudelaire, Les Fleurs du Mal  : dissertation, sujet de métropole, juin 2022

Introduction, une poésie qui entremêle l'horrible et le sublime, la grande variété des motifs, le spleen, horreur de l'âme, la beauté de la forme poétique, des images évocatrices, la beauté issue du regard prodigieux du poète, percevoir la poésie dans le monde, la divulgation des secrets du monde.

Correction de la dissertation

Baudelaire écrit dans le projet d’épilogue des Fleurs du mal  : « Tu m’as donné ta boue et j’en fait de l’or ». Dans quelle mesure ce vers s’applique-t-il à ce recueil poétique ?

Dissertation

Introduction.

Au mois de mai 1860, Charles Baudelaire travaille à un épilogue qu’il doit terminer comme il l’indique à son éditeur Poulet-Malassis : « Je travaille aux Fleurs du Mal . Dans très peu de jours, vous aurez votre paquet, et le dernier morceau ou épilogue, adressé à la ville de Paris, vous étonnera vous-même, si toutefois je le mène à bonne fin (en tercets ronflants) ». On sait ce qu’il en est et le poète n’a jamais achevé ce qui est resté un projet dans lequel Baudelaire déclare son amour pour la ville de Paris (« Je t’aime, ô capitale infâme !) et énumère (lupanar, débauches, vice...) ce qu’il résume à la fin par le terme « boue » : « Tu m’as donné ta boue et j’en fait de l’or ». Le substantif fait donc métaphoriquement référence à tout ce qui est vil, sans valeur voire moralement condamnable puisqu’au mot sont associées des connotations péjoratives se rapportant à l’abjection, à l’infamie (que l’on songe à des expressions comme « traîner dans la boue »). Alchimiste, le poète opère ainsi une transmutation de la boue d’un réel fort prosaïque en un or poétique. Cette citation de l’épilogue signifie-t-elle que le poète s’est rué dans la fange pour en faire le sujet de sa poésie ? Ce serait donner raison à ses détracteurs et, entre autres, à la critique du Figaro qui publiait ces lignes le 5 juillet 1857 : « L'odieux y coudoie l'ignoble, le repoussant s'y allie à l'infect. Jamais on ne vit mordre et même mâcher autant de seins dans si peu de pages ; jamais on n'assista à une semblable revue de démons, de fœtus, de diables, de chloroses, de chats et de vermine. » Peut-on donc affirmer que la poésie de Baudelaire est celle de l’ odieux , de l’ ignoble , en un mot de la boue ? Et si oui, faut-il voir dans l’ouvrage de Baudelaire un amoncellement fangeux moralement condamnable qui ne trouverait aucune justification sinon celle d’une boue qui ferait l'objet d’une transformation ? Nous verrons dans quelle mesure la citation de l’épilogue s’applique au recueil des Fleurs du mal , puis nous montrerons de quel nature est cet « or » poétique, et enfin quels sont les enjeux esthétiques d’une telle conception de la poésie.

Développement

1re partie : les fleurs du mal , œuvre alchimique , baudelaire, le poète de la boue.

Dans le projet d’épilogue, deux vers avant le vers « Tu m’as donné ta boue et j’en fait de l’or », Baudelaire se compare à « un parfait chimiste » lequel effectue donc cette opération de transformation de la boue en or. À l’autre bout du recueil, dès l’adresse « Au lecteur », cette opération de transmutation était — quoique pour des raisons très différentes — déjà évoquée dans la troisième strophe à travers les termes « Satan Trismégiste », « riche métal », « ce savant chimiste ». On trouve même une mention du « chemin bourbeux » emprunté par le poète et nous-même, l ‘« hypocrite lecteur ». La notion de « chimie » poétique voire d’ « alchimie » (que l’on songe à « Alchimie de la douleur ») traverse donc le recueil de part en part, du début à la fin. Le thème de la boue n’est pas moins omniprésent dans le recueil des Fleurs du mal . Qu’on pense au « Sept Vieillards » (« Dans la neige et la boue il allait s’empêtrant »), au « Vin des chiffonniers » (« Au cœur d’un vieux faubourg, labyrinthe fangeux » ) ou encore à « Brumes et pluies » (« Ô fin d’automne, hivers, printemps trempés de boue,/ Endormeuses saisons ! Je vous aime vous loue. »).

Ce ne sont que quelques exemples et l’on pourrait les multiplier (on retrouve le terme dans « Le Cygne », « Le Monstre »...). La boue est manifestement un thème que l’on ne peut manquer dans la poésie de Baudelaire. C’est que littéralement, dans le Paris du XIX e siècle, on marche dans la boue. On en a la preuve chez Baudelaire lui-même dans les Petits poèmes en prose  :

« — Mon cher, vous connaissez ma terreur des chevaux et des voitures. Tout à l’heure, comme je traversais le boulevard, en grande hâte, et que je sautillais dans la boue, à travers ce chaos mouvant où la mort arrive au galop de tous les côtés à la fois, mon auréole, dans un mouvement brusque, a glissé de ma tête dans la fange du macadam. Je n’ai pas eu le courage de la ramasser. »

Mais est-ce à dire que c’est là un simple thème traité par le poète en raison d’une familiarité certes bien ennuyeuse mais inévitable pour le Parisien du Second Empire ? En fait, on a vu et on verra que cette boue était l’objet d’une transmutation, d’une transformation poétique faisant de la laideur quelque chose de beau.

Transformation de la boue en or

Nous l’avons dit, la boue est une métaphore désignant aussi bien ce qui est sale physiquement (le Paris du XIX e siècle) que moralement (ceux qui habitent cette ville). Ainsi, la boue a partie liée avec le mal, avec la misère sociale dans « Le Vin des Chiffonniers » par exemple ou encore ans les deux « Crépuscules » où l’on croise « catins » et « escrocs » (« Le Crépuscule du soir ») et où s’expriment les « rêves malfaisants », « la lésine » (« Le Crépuscule du matin »). En somme, Paris devient chez Baudelaire le lieu allégorique du théâtre du mal dans la section des Tableaux parisiens ou du Vin . Ici, le temps, la vieillesse et la Mort sont omniprésents.

Il appartient toutefois au poète de sublimer cette matière, ce que montre le poème « Le Soleil » dans lequel l’astre transforme le réel :

Quand, ainsi qu’un poète, il descend dans les villes, Il ennoblit le sort des choses les plus viles, Et s'introduit en roi, sans bruit et sans valets, Dans tous les hôpitaux et dans tous les palais.

Mais précisément, comme le soleil, la mission poétique consiste à faire la lumière sur ce qui est caché, à le montrer, à le révéler en somme, à non seulement l’exposer poétiquement, mais par la même occasion à l’embellir. Le laid devient donc beau comme dans « Une Charogne ». Plus précisément, c’est la représentation du laid qui devient belle. À qui s’interrogerait sur un tel choix esthétique, il conviendra de montrer qu’il y a là une dualité (comme le suggère la section Spleen et Idéal ). Le poète ne saurait choisir entre la boue et l’or. Ce ne peut être l’un ou l’autre, mais l’un et l’autre. La femme n‘est-elle pas à la fois muse et vampire (« Les Métamorphoses du vampire »), le poète n’est-il pas à la fois béni et maudit (voir, par exemple « Bénédiction »), etc. ?

2e partie : L’or poétique ou l’unité du dualisme

Correspondance.

L'impossibilité de ce choix se trouve dès le poème « Correspondances », dans lequel Baudelaire exprime l’idée d’un lien entre les contraires : « Dans une ténébreuse et profonde unité, / Vaste comme la nuit et comme la clarté, / Les parfums, les couleurs et les sons se répondent ». Dans ces vers, les opposés (la nuit et la clarté) sont donc indissociables (le poète parle bien d’ unité ). On pourrait multiplier les exemples qui soulignent l'entrelacs de la boue et de l’or, du beau et du laid. Que l’on songe aux nombreux oxymores tels que la « superbe carcasse » dans « Une Charogne », à leur coordination (« [...] noire et pourtant lumineuse » dans « Un Fantôme »), ou encore au titre qui fait de la beauté une fleur du mal. Le projet poétique est inscrit dès le titre dans l’alliance de ce nom (« fleurs » connoté méliorativement) et de ce complément (« du mal » connoté péjorativement). etc. Dans « Une charogne », on a une comparaison du cadavre avec une fleur ! Hypotypose de l'objet pour qu’on voie la charogne. Le poète nous met la mort devant les yeux. Excès de réalisme ? Non, rappel philosophique.

Non seulement les contraires sont indissociables, mais ils « se répondent ». Ils sont même constitutifs de la nature humaine. Rappelons-nous de la désormais célèbre double postulation dans Mon cœur mis à nu : « Il y a dans tout homme, à toute heure, deux postulations simultanées, l'une vers Dieu, l'autre vers Satan. L'invocation à Dieu, ou spiritualité, est un désir de monter en grade ; celle de Satan, ou animalité, est une joie de descendre. » Ainsi, la nature humaine est complexe. Un Guy de Maupassant ne dira pas autre chose (voir par exemple la nouvelle « Sur l’eau ») et Charcot ou Freud ne sont pas si loin.

Mais on aurait tort de croire, comme le journaliste du Figaro, que le poète se complait dans une fange immorale. D’une part, on l’a vu, le sujet est inéluctable, c’est une réalité topographique, mais surtout il s’inscrit dans un objectif poétique de transformation qui renvoie à un désir d’ailleurs, autre grand thème baudelairien. Le poème « Mœsta et errabunda » ne dit pas autre chose : « Emporte-moi, wagon ! enlève-moi frégate ! / Loin ! loin ! ici la boue est faite de nos pleurs ! » Baudelaire y évoque au vers 2 « l’immonde cité » qui dit assez par ailleurs la condamnation morale dont elle fait l’objet. Désir d’un ailleurs qui s’exprime tout au long des Fleurs du mal et conclut d’ailleurs le recueil dans « Le Voyage ».

L’art pour échapper à l’ici-bas

En effet, dans « Mœsta et errabunda », l’enjeu consiste bien à quitter cette boue. L’homme qui a les deux pieds dans la boue perçoit, dans un mouvement vertical, les cieux et, de la noirceur, contemple la lumière : « Tel le vieux vagabond, piétinant dans la boue, / Rêve, le nez en l’air, de brillants paradis ; » (« Le Voyage ») Somme toute, on a ici l’idée très platonicienne d’une transcendance perçue à travers le rêve.

Ainsi, les poèmes des Fleurs font valoir l’irrémédiable distance qu’il y a entre le monde et un ailleurs qui s’exprime dans un platonisme évident (remarquer le mot « Idée » avec une majuscule) dans « L’Irrémédiable » :

« Une Idée, une Forme, un Être Parti de l’azur et tombé Dans un Styx bourbeux et plombé Où nul œil du Ciel ne pénètre »

Mais ce qui prédomine alors, c’est l’idée d’une chute de l’humanité tombée dans le péché (la boue) d’où le vocabulaire très religieux qui abonde dans le recueil. Dès lors, seul l’art permet de rendre supportable la laideur du monde et le spleen qu’elle engendre. En somme, l’art, le beau rendent la boue supportable, ils rendent « L’univers moins hideux et les instants moins lourds ». (« Hymne à la beauté »)

On a vu que la boue et l’or étaient indissociables (voir encore à ce sujet « Hymne à la Beauté »). L’un ne va pas sans l’autre. Si la boue du réel est transformée en or de la poésie, y a-t-il là quelque chose de nouveau ? Eh bien, les poètes du XVI e ne faisaient pas autre chose. L’écriture a souvent eu pour objectif de transformer ce qui est douloureux en chant poétique. Que l’on songe au lyrisme d’Orphée ou à Joachim du Bellay qui dans Les Regrets (sonnet XII) écrit :

Je ne chante, Magny, je pleure mes ennuis, Ou, pour le dire mieux, en pleurant je les chante, Si bien qu’en les chantant, souvent je les enchante : Voilà pourquoi, Magny, je chante jours et nuits.

En somme, l'œuvre de Baudelaire s’inscrit dans une tradition poétique que l’on pourrait qualifier de classique, et ce sera l’un des premiers poncifs de la grande réhabilitation de Baudelaire notamment lors du cinquantième anniversaire de sa mort : Baudelaire est un classique. Seulement, ce serait aller un peu vite en besogne et omettre ce qui fait la spécificité de son œuvre.

3e partie : Modernité poétique de Baudelaire : vers une nouvelle définition de l’art

La muse malade de baudelaire.

Le poème « La Muse malade » souligne l’opposition entre un passé grec rayonnant et un présent défini par la maladie et le péché. Dès lors, le poète s’interroge et se demande si sa muse (l’inspiration poétique) n’est pas perdue dans « un fabuleux Minturnes » (terme désignant un marécage romain), ce qui renvoie sinon à la boue du moins au bourbier.

Par ailleurs, dans Les Épaves , le poème « Le coucher du soleil romantique » propose une réflexion sur l’état de la poésie française en 1862. Ce soleil se couchant métaphorise le crépuscule de la poésie romantique et l’émergence de la poésie moderne qui est la poésie de la nuit, de la laideur et de l’angoisse :

L'irrésistible Nuit établit son empire, Noire, humide, funeste et pleine de frissons ;

Une odeur de tombeau dans les ténèbres nage, Et mon pied peureux froisse, au bord du marécage, Des crapauds imprévus et de froids limaçons.

On notera que le poète n’a pas d’autre choix que de subir cette disparition du soleil, pas plus qu’un Musset ne pourra échapper au mal du siècle .

Le désenchantement comme sujet poétique

Que restait-il à Baudelaire une fois que le soleil s’était retiré ? Une poésie de la nuit, de la boue, du péché. Mais alors la poésie devient œuvre alchimique et entreprend de transformer cette matière vile en or poétique. Le projet d’épilogue est une conclusion (inachevée voire inachevable ?) qui souligne que l’activité poétique consiste à transformer le mal en fleurs. Baudelaire s’est fait le poète du mal. Cf. projet de préface de la deuxième édition : « Des poètes illustres s'étaient partagé depuis longtemps les provinces les plus fleuries du domaine poétique. Il m'a paru plaisant, et d'autant plus agréable que la tâche était plus difficile, d'extraire la beauté du Mal. »

C’est donc aussi un défi poétique que le poète exprime dans L’Art romantique :

« Celui qui n’est pas capable de tout peindre, les palais et les masures, les sentiments de tendresse et ceux de cruauté, les affections limitées de la famille et la charité universelle, la grâce du végétal et les miracles de l’architecture, tout ce qu’il y a de plus doux et tout ce qui existe de plus horrible, le sens intime et la beauté extérieure de chaque religion, la physionomie morale et physique de chaque nation, tout enfin, depuis le visible jusqu’à l’invisible, depuis le ciel jusqu’à l’enfer, celui-là, dis-je, n’est vraiment pas poëte dans l’immense étendue du mot et selon le cœur de Dieu. »

Et il ajoute plus loin qu’en restreignant le champ poétique, « Vous infirmez ainsi le sens universel du mot poésie. » En somme, Baudelaire redéfinit la mission poétique traçant la voie (voix ?) à suivre. Que l’on songe à Rimbaud :

« Un soir, j’ai assis la Beauté sur mes genoux. — Et je l’ai trouvée amère. — Et je l’ai injuriée. »

Mais surtout il brise le lien tout classique entre art et beau. Le vrai, le beau et le bien, au XIX e , vont encore ensemble (persistance de la philosophie néo-platonicienne). Le titre Les Fleurs du mal liant le beau (fleurs) et le mal (laid) sonne comme une provocation. Baudelaire brise ce lien entre le beau et le bien et affirme que le mal peut être beau, suivant en ceci les préceptes romantiques (voir par exemple la préface de Cromwell ou le poème « J’aime l'araignée et j’aime l’ortie » de Victor Hugo dans Les Contemplations ).

On peut enfin citer le projet de préface des Fleurs du mal dans lequel Baudelaire refuse de confondre « les bonnes actions avec le beau langage » et de confondre « l’encre avec la vertu ». Rompant avec la tradition poétique, refusant les sujets faciles (« les provinces les plus fleuries du domaine poétique »), Baudelaire entreprend un défi poétique : « Il m’a paru plaisant, et d’autant plus agréable que la tâche était plus difficile, d’extraire la beauté du Mal ». En somme, le vrai, le bien et le beau ne s’impliquent plus. C’est « une invention de la philosophaillerie moderne » dit Baudelaire. Le vrai a son domaine : la science. Le bon, la morale. Le beau, l’art. Toute une esthétique moderne vient de naître : de la décadence au surréalisme en passant par le symbolisme.

Les mots de l'épilogue peuvent apparaître comme une réponse au Figaro et il est vrai que le recueil peut se lire comme un douloureux parcours de réussir l'entreprise alchimique mais il serait faux de l’y réduire tant il est vrai que le recueil des Fleurs du mal abonde en poèmes qui illustrent la beauté des choses, les trésors de la mémoire, le temps retrouvé... On peut encore évoquer la dimension sociale de certains poèmes de factures anciennes comme « Le vin des chiffonniers » (voir aussi la préface du livre de poche.) En fait, le recueil de Baudelaire est d’une richesse qui donnerait raison au poète quand il écrit « je me suis arrêté devant l’épouvantable inutilité d’expliquer quoi que ce soit à qui que ce soit » (projet de préface). Il n’en reste pas moins que les Fleurs du mal si mal accueillies du vivant de l’auteur ont marqué leur siècle et redéfini l’enjeu poétique. Baudelaire bouleverse une France romantique néo-classique, baroque par certains aspects, gothique par d’autres mais fidèle à l’esprit de Raphaël. C’est la France de David et d’Ingres. Si Baudelaire est classique par certains côtés, il est sensible à d’autres conceptions de la beauté qu’il trouve notamment dans la peinture, chez Delacroix, chez Manet ensuite. Voir « Les Phares » (peintres qui ne sont pas classiques et qui ont un autre rapport de la beauté). Ne s’agit-il pas de trouver du nouveau absolument ?

À voir également

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• Plan détaillé de la dissertation sur Baudelaire
• Dissertation sur les Lettres persanes

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Exemples d'ouvertures et de conclusions sur différents extraits et poésies : Verlaine, Baudelaire, C. Cros, La Fontaine, Voltaire, Molière

Conclusions et ouvertures sur textes pour préparer l'entretien de français.

*** Ressources du forum. Conclusions et ouvertures postées par évidence, membre du forum prépabac

 "L'albatros" de Baudelaire

• Conclusion :
• Avec l'image de l'Albatros, Baudelaire représente donc bien la condition du poète: capable de s'élever et de créer mais incompris par la société. Il dénonce dans ce poème sa propre condition, mais pas seulement : Baudelaire fait partie de la génération des poètes maudits, et d'autres poètes comme lui se sentent incompris. Il n'est pas le seul à avoir dénoncé cela:
• Ouverture :
•  Par exemple Tristan dans "le crapaud", avec l'image d'un crapaud dont tout le monde ne voit que la laideur sans apercevoir "son oeil de lumière", il  représente également bien le poète incompris par la société malgré ses fonctions de "voyant".

 Les pauvres à l'églises

• Dans ce poème, Rimbaud exprime toute sa révolte contre la religion et la bourgeoisie. Il dénonce leur hypocrisie et leur indifférence façe à la misère du peuple et dresse un tableau de son époque.
•  On peut le rapprocher d'un autre de ses poèmes, "le mal", où Rimbaud faisait à nouveau une satire de la religion à cause du comportement de l'église pendant la période de la guerre.

 Le collier de charles cros :

•  Charles Cros exprime son sentiment d'inadaptation et son rejet par un décalage permanent avec les autres. Bien  qu'il ne soit pas reconnu, il exprime une idée de compensation grâce à la beauté qui est le remède à son mal. Ce sonnet traduit donc aussi les élans poétiqued de Cros.
•  Comme Corbière, Verlaine, Baudelaire et d'autres, Cros fait partie de la génération des poètes maudits car ils se sentent en marge de la société. Baudelaire exprime aussi cette sensation de décalage et de rejet dans son poème l'albatros où l'oiseau magnifique dans les airs, une fois à terre est incapable de marcher. De plus, dans toutes les œuvres de Baudelaire, nous retrouvons ce sentiment de compensation, remède au spleen, avec la beauté, la femme, l'évasion qu'il exprime dans sa poésie.

Le curé et le mort

• Dans cette fable, on retrouve cet aspect plaisant(récurrent chez La Fontaine) grâce à la vivacité du récit, à la diversité des registres, des paroles, de la narration mais la fable a également une portée didactique en faisant tout d'abord une critique de la religion, mais avec une morale plus globale qui invite à réfléchir sur notre comportement en général.
• Cette dernière et dans la même lignée que "la laitière et le pot au lait" où une laitière pense sans cesse à ce que va lui rapporter son Pot au lait, jusqu'à ce que celui ci se casse et que tout ce qu'elle avait prévu ne disparaisse. Ces deux fables ont donc une morale similaire qui nous fait réfléchir sur le fait de desirer des choses avant d'en avoir la possibilité.

 Le Rat qui s'est retiré du monde

• Dans cette fable, on retrouve cet aspect plaisant de la fable grâce à la diversité ( que ce soient des registres, des vers, ou encore de la forme de discours) et grâce à un récit efficace mettant en scène des animaux. Mais on a également un aspect didactique avec des références historiques, et surtout, une satire sur certains faits de l'actualité de son époque, dans ce cas, l'hypocrisie de dévots. Il peut aussi faire référence au clergé contemporain refusant de financer la guerre de Hollande.
• La remise en cause de certains aspect de la religion est un sujet très sensible à cette époque( c'est pourquoi La Fontaine met une distance prudente en ne parlant pas directement de moine) mais c'est un sujet qui sera encore d'actualité un siècle plus tard comme l'on peut le voir dans le conte philosophie que de Voltaire "Candide" où il dénonce l'aspect tyrannique et arbitraire de la religion.

 Tartuffe, acte III scène 2

• Dans cette scène, Molière montre l'hypocrisie de Tartuffe par sa fausseté, son jeu d'acteur et par la pensée du péché mais également en utilisant Dorine qui par son franc parler et ses manipulations confirme ce que l'on pense de Tartuffe.
•  Cette scène, qui est la première apparition de Tartuffe, montre bien l'hypocrisie du personnage auquel on s'attendait et elle prépare la suite de l'intrigue où Tartuffe fait des avances à Elmire, scène centrale de la scène.

Tartuffe, Acte III scène III

• Tartuffe dans cette scène voulait convaincre Elmire de son amour, mais la scène révèle en fait toute son hypocrisie: en détournant le langage religieux pour des propos galants, en faisant preuve d'hypocrisie sociale ( puisqu'il dit savoir éviter les scandales) et également en faisant preuve d'hypocrisie dans  ses sentiments : ici, il est question de plaisir et non de sentiments. De plus son discours est tellement construit qu'il semble être un froid calculateur. Cette scène marque donc un tournant dans l'intrigue.
• L'hypocrisie de certains religieux a était traitée par d'autres artistes du 17ème, comme La Fontaine dans  le rat qui s'était retiré du monde' où un rat se proclame dêvot mais devient "gros et gras" alors qu'il est sensé se contenter de ce dont il a besoin, et ne veut pas aider son peuple. Dans cette fable, La fontaine fait donc également par l'humour la critique d'un faux dévot.

Colloque sentimentale

• On à donc ici une sorte d'histoire allégorique. ce duo d'amour n'existe plus comme ce dialogue impossible le montre. Le temps à tout détruit et c'est l'oubli et la mort qui sont victorieuses. Le titre paraît dérisoire vu le refus de dialogue de l'un des interlocuteurs. Ce poème traite de façon ironique et désespéré le thème de l'amour et de la fuite du temps : on est loin d'un lyrisme romantique, c'est le désespoir et le néant qui domine.
•  Ce thème de l'amour impossible est également utilisé par Baudelaire : dans " à une passante" , où il décrit l'histoire d'un echec amoureux avant même qu'elle ait  commencé.

Le dormeur du Val:

• Dans « le dormeur du Val » , Rimbaud dénonce l'horreur et surtout l'absurdité de la guerre  en décrivant d'abord un endroit idyllique où la nature chaleureuse semble accueillir un soldat endormis, puis en révélant la dure réalité où le soldat a en fait été tué lors de la guerre. La beauté de la nature rend la mort encore plus insupportable. Le soldat pourrait vivre, il est jeune, et est mort. Sous cet angle, on ne peut que voir l'absurdité de la guerre. Rimbaud est exposé aux horreurs de la guerre très jeune, et cela se ressent dans beaucoup dans ses poèmes.
•  Dans « le Mal » par exemple on peut encore une fois le voir dénoncer la folie de la guerre tout en remettant en cause certains aspects de la religion.

Candide, incipit

• . Sous les apparences d'un conte, Voltaire fait donc de nombreuses caricatures et dénonciations : Il fait une satire de la noblesse, dans un monde qui repose sur l'illusion et qui n'est le meilleur des mondes que pour ceux qui jouissent des priviléges. Il fait également un caricature de la philosophie optimiste de Leibniz avec le personnage de Pangloss qui permet de maintenir une société figée dans ses illusions.
•  Ce monde, présenté comme un paradis dont va être rejeté Candide est en quelque sorte une caricature de l'exclusion de Candide , en le montrant chassé du paradis terrestre pour avoir cédé à la tentation ( Cunegonde au lieu de Eve.) Candide dans ce chapitre considérait cet endroit comme un idéal et la philosophie de Pangloss comme une verité incontestable, il est donc encore loin de l'ideal Voltairien. Mais à partir de son exclusion, il sera confronté à la réalité,un monde qu'il cherchera à comparer avec un regard naïf à la philosophie optimise qu'il à toujours connu. Tant qu'il ne s'en détache pas, il reste sur un monde d'illusion.Au fur et à mesure des chapitres, Candide va evoluer et abandonner ces illusions peu à peu pour accepter le monde tel qu'il est et apprendre à juger par lui même et prendre ses propres décisions.

-> Candide Chapitre 6 l'autodafé

• Voltaire dénonce dans ce chapitre le fanatisme religieux et l'intolérance . Pour arriver à ces moyens, il cherche à provoquer le lecteur en décrivant l'autodafé comme un spectacle esthétique et carnavalesque sans émotions, ce qui donne une impression de décalage à cause de la cruauté de ce qui se passe. Il dénonce aussi par le biais d'humour noire, d'antiphrases et en montrant l'absurdité de la cérémonie. On voit que Candide, à la fin de ce chapitre, commence à avoir uneréflexion, après tout ses malheurs sur la philosophie si optimiste de Pangloss.
• Voltaire dénonce avec candide le fanatisme religieux de manière indirecte, mais cette lutte contre le fanatisme se voit aussi dans d'autree ouvrages: par exemple dans son dictionnaire philosophique avec l'article Fanatisme où il essaie de convaincre et de persuader directement le lecteur des effets négatifs du fanatisme.

-> Candide Le nègre de Surinam

• Dans cet extrait , Voltaire, dénonce l'esclavage en suscitant l'émotion chez le lecteur avec la narration, les réactions de Candide et le discours du nègre qui soulèvent du pathétique.
• Par ce moyen, il dénonce la déshumanisation des esclaves, la cruauté qu'ils subissent juste pour les petits plaisirs des européens et la réussite d'une économie. Ce thème de l'exploitation de l'homme par l'homme est récurrent chez les philosophes. Montesquieu par exemple, démontre de manière ironique l'absurdité de l'esclavage.

-> Fanatisme - Voltaire ( dictionnaire philosophique)

• Fanatisme est un texte qualifié d'article de dictionnaire, pourtant, Voltaire s'en sert pour dénoncer et combattre le fanatisme de manière efficace en utilisant des arguments et des exemples et  en le dévalorisant avec du vocabulaire et des images négatives.
• Voltaire dénonce le fanatisme dans d'autres textes, notamment dans Candide, dans le chapitre du nègre de Surinam où le personnage principal, Candide, découvre un esclave amputé et misérable qui leur raconte son histoire.

Ionesco, Rhinocéros

• Ouverture sur l'incipit
•  pour l'instant, un cadre plutôt réaliste et banal, est mis en place, ce qui va être raconté par la suite , c'est-à dire la transformation en rhinocéros des habitants de la ville, sera totalement décalée et la pièce bien plus absurde que dans cet incipit.
• Ionesco, Tableau 1 de l'acte II , la scène du bureau où mme Boeuf arrive poursuivi par un Rhinocéros et où l'on découvre que celui-ci est son mari.
• Dans un véritable monde à l'envers, où certains moments sont comiques, la scène dégage un côté inquiétant : Outre l'atmosphère angoissante de la scène, les personnages semblent enfermés dans un système de pensées inadéquates. Devant un événement improbable, les réactions sont étranges et donc inquiétantes.
• Cette absence de réaction explique que plus tard dans la pièce, tous ces personnages hormis Béranger seront transformés en Rhinocéros.
• -> Rhinocéros, Ionesco, scène de la transformation de Jean en Rhinocéros
• Dans cette scène, on assiste pour la première fois à la transformation d'un homme en rhinocéros, qui se manifeste par de multiples symptômes physiques mais aussi moraux puisque Jean rejette peu à peu la civilisation humaine. Bérenger ne veut pas comprendre ce qui arrive à son ami et essaie de le raisonner. Jean incarne un personnage profondément en opposition à la bête que devient Jean. Mais tous ses efforts semblent inefficaces face à la rhinocérocerie.
• Cette scène est très inquiétante, la transformation des rhinocéros progresse et atteint même des personnes qui semblent imprégnés de morale, ce qui montre que personne n'est à l'abri et que bientôt, tous succomberont comme la pièce le montre. Bérenger, qui était l'anti-intellectuel est le seul qui résiste à cette épidémie.

Pour aller plus loin : consultez les documents du site 

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Baudelaire écrit dans les Fleurs du mal : « Tu m’as donné ta boue et j’en fait de l’or ». Dans quelle mesure ce vers s’applique-t-il à ce recueil?

Charles baudelaire, l’esthétique de la boue, exercice pour la classe de première..

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Exercices bac français Baudelaire Les Fleurs du Mal /parcours Alchimie poétique : la boue et l'or-Evaluez votre niveau

Exercices bac français baudelaire les fleurs du mal /parcours alchimie poétique : la boue et l'or-evaluez votre niveau, testez vos connaissances.

Exercices bac français Baudelaire Les Fleurs du Mal /parcours Alchimie poétique : la boue et l'or-Evaluez votre niveau, testez vos connaissances, entraînez-vous

Dissertation

Parcours bac poésie , dans quelle mesure la citation de l’épilogue s’applique au recueil des fleurs du mal de quelle nature est cet « or » poétique quels sont les enjeux esthétiques, introduction.

Accroche (lettre de Baudelaire sur le projet d’épilogue)

Analyse du sujet (citation provenant de l’épilogue, explication et analyse amenant à dégager une problématique)

Problématique (de l’analyse précédente découle un questionnement et une problématique : la poésie de Baudelaire relève-t-elle d’une esthétique condamnable de la laideur ?)

Plan (trois parties) :

Les Fleurs du mal, œuvre alchimique

Nature de l’or poétique

Enjeux esthétiques d’une telle conception

Peut-on donc affirmer que la poésie de Baudelaire est celle de l’odieux, de l’ignoble, en un mot de la boue ? Et si oui, faut-il voir dans l’ouvrage de Baudelaire un amoncellement fangeux moralement condamnable qui ne trouverait aucune justification sinon celle d’une boue qui ferait l'objet d’une transformation ? Nous verrons dans quelle mesure la citation de l’épilogue s’applique au recueil des Fleurs du mal, puis nous montrerons de quelle nature est cet « or » poétique, et enfin quels sont les enjeux esthétiques d’une telle conception de la poésie.

Plan possible pour la dissertation

Développement, i - les fleurs du mal, œuvre alchimique .

Toute cette première partie tend à justifier, expliquer, éclairer la citation « Tu m’as donné ta boue et j’en fait de l’or » qui fait du recueil une œuvre alchimique (c’est-à-dire une transformation de la boue en or)

Première sous-partie : Baudelaire, le poète de la boue

Cette sous-partie démontre que le thème de la boue est omniprésent dans le recueil de Baudelaire.

Deuxième sous-partie : Transformation de la boue en or

La fange — métaphore de la laideur physique et morale — fait l’objet d’une transformation poétique semblable à celle qu’opère le soleil sur les choses (référence au poème « Le Soleil »).

II - L’or poétique ou l’unité du dualisme

La deuxième partie montre que les thèmes de la boue et de l’or sont indissociables et que la poésie non seulement exprime mais permet d’échapper à cette boue.

Première sous-partie : Correspondance

Cette sous-partie montre comment sont liés les thèmes de la boue et de l’or. Elle insiste sur la notion de « correspondance » et la « double postulation » qui révèle à la fois un désir d’or et de boue.

Deuxième sous-partie : L’art pour échapper à l’ici-bas

Le poète veut cependant échapper à une boue qui est rendue supportable par l’art lequel, comme chez les poètes de la Pléiade, enchante le réel.

III - Modernité poétique de Baudelaire : vers une nouvelle définition de l’art

On a montré que l'œuvre de Baudelaire s’inscrivait dans une tradition poétique : le poète chante une réalité que d’aucuns jugent odieuse, mais c’est pour mieux l’enchanter. Il n’a de toute façon pas le choix et réinvente la poésie.

Première sous-partie : La muse malade de Baudelaire

La poésie de Baudelaire souligne l’écart entre un passé glorieux et un présent maladif (c’est le mal du siècle). En d’autres termes, le poète ne saurait échapper à la boue.

Deuxième sous-partie : le désenchantement comme sujet poétique

Loin d’être une poésie déplorant un état de fait, Baudelaire fixe de nouveaux objectifs et prône une poésie capable de tout dire tout en se faisant le précurseur de la poésie moderne.

1re partie : Les Fleurs du mal, œuvre alchimique ? L'or poétique - Vers une nouvelle définition de l'art, la modernité poétique

1re partie : les fleurs du mal, œuvre alchimique .

Baudelaire, le poète de la boue

Dans le projet d’épilogue, deux vers avant le vers « Tu m’as donné ta boue et j’en fait de l’or », Baudelaire se compare à « un parfait chimiste » lequel effectue donc cette opération de transformation de la boue en or. À l’autre bout du recueil, dès l’adresse « Au lecteur », cette opération de transmutation était — quoique pour des raisons très différentes — déjà évoquée dans la troisième strophe à travers les termes « Satan Trismégiste », « riche métal », « ce savant chimiste ». On trouve même une mention du « chemin bourbeux » emprunté par le poète et nous-même, l ‘« hypocrite lecteur ». La notion de « chimie » poétique voire d’ « alchimie » (que l’on songe à « Alchimie de la douleur ») traverse donc le recueil de part en part, du début à la fin. Le thème de la boue n’est pas moins omniprésent dans le recueil des Fleurs du mal. Qu’on pense au « Sept Vieillards » (« Dans la neige et la boue il allait s’empêtrant »), au « Vin des chiffonniers » (« Au cœur d’un vieux faubourg, labyrinthe fangeux » ) ou encore à « Brumes et pluies » (« Ô fin d’automne, hivers, printemps trempés de boue,/ Endormeuses saisons ! Je vous aime vous loue. »).

Ce ne sont que quelques exemples et l’on pourrait les multiplier (on retrouve le terme dans « Le Cygne », « Le Monstre »...). La boue est manifestement un thème que l’on ne peut manquer dans la poésie de Baudelaire. C’est que littéralement, dans le Paris du XIXe siècle, on marche dans la boue. On en a la preuve chez Baudelaire lui-même dans les Petits poèmes en prose :

« — Mon cher, vous connaissez ma terreur des chevaux et des voitures. Tout à l’heure, comme je traversais le boulevard, en grande hâte, et que je sautillais dans la boue, à travers ce chaos mouvant où la mort arrive au galop de tous les côtés à la fois, mon auréole, dans un mouvement brusque, a glissé de ma tête dans la fange du macadam. Je n’ai pas eu le courage de la ramasser. »

Mais est-ce à dire que c’est là un simple thème traité par le poète en raison d’une familiarité certes bien ennuyeuse mais inévitable pour le Parisien du Second Empire ? En fait, on a vu et on verra que cette boue était l’objet d’une transmutation, d’une transformation poétique faisant de la laideur quelque chose de beau.

Transformation de la boue en or

Nous l’avons dit, la boue est une métaphore désignant aussi bien ce qui est sale physiquement (le Paris du XIXe siècle) que moralement (ceux qui habitent cette ville). Ainsi, la boue a partie liée avec le mal, avec la misère sociale dans « Le Vin des Chiffonniers » par exemple ou encore ans les deux « Crépuscules » où l’on croise « catins » et « escrocs » (« Le Crépuscule du soir ») et où s’expriment les « rêves malfaisants », « la lésine » (« Le Crépuscule du matin »). En somme, Paris devient chez Baudelaire le lieu allégorique du théâtre du mal dans la section des Tableaux parisiens ou du Vin. Ici, le temps, la vieillesse et la Mort sont omniprésents.

Il appartient toutefois au poète de sublimer cette matière, ce que montre le poème « Le Soleil » dans lequel l’astre transforme le réel :

Quand, ainsi qu’un poète, il descend dans les villes, Il ennoblit le sort des choses les plus viles, Et s'introduit en roi, sans bruit et sans valets, Dans tous les hôpitaux et dans tous les palais.

Mais précisément, comme le soleil, la mission poétique consiste à faire la lumière sur ce qui est caché, à le montrer, à le révéler en somme, à non seulement l’exposer poétiquement, mais par la même occasion à l’embellir. Le laid devient donc beau comme dans « Une Charogne ». Plus précisément, c’est la représentation du laid qui devient belle. À qui s’interrogerait sur un tel choix esthétique, il conviendra de montrer qu’il y a là une dualité (comme le suggère la section Spleen et Idéal). Le poète ne saurait choisir entre la boue et l’or. Ce ne peut être l’un ou l’autre, mais l’un et l’autre. La femme n‘est-elle pas à la fois muse et vampire (« Les Métamorphoses du vampire »), le poète n’est-il pas à la fois béni et maudit (voir, par exemple « Bénédiction »), etc. ?

2e partie : L’or poétique ou l’unité du dualisme

Correspondance

L'impossibilité de ce choix se trouve dès le poème « Correspondances », dans lequel Baudelaire exprime l’idée d’un lien entre les contraires : « Dans une ténébreuse et profonde unité, / Vaste comme la nuit et comme la clarté, / Les parfums, les couleurs et les sons se répondent ». Dans ces vers, les opposés (la nuit et la clarté) sont donc indissociables (le poète parle bien d’unité). On pourrait multiplier les exemples qui soulignent l'entrelacs de la boue et de l’or, du beau et du laid. Que l’on songe aux nombreux oxymores tels que la « superbe carcasse » dans « Une Charogne », à leur coordination (« [...] noire et pourtant lumineuse » dans « Un Fantôme »), ou encore au titre qui fait de la beauté une fleur du mal. Le projet poétique est inscrit dès le titre dans l’alliance de ce nom (« fleurs » connoté méliorativement) et de ce complément (« du mal » connoté péjorativement). etc. Dans « Une charogne », on a une comparaison du cadavre avec une fleur ! Hypotypose de l'objet pour qu’on voie la charogne. Le poète nous met la mort devant les yeux. Excès de réalisme ? Non, rappel philosophique.

Non seulement les contraires sont indissociables, mais ils « se répondent ». Ils sont même constitutifs de la nature humaine. Rappelons-nous de la désormais célèbre double postulation dans Mon cœur mis à nu : « Il y a dans tout homme, à toute heure, deux postulations simultanées, l'une vers Dieu, l'autre vers Satan. L'invocation à Dieu, ou spiritualité, est un désir de monter en grade ; celle de Satan, ou animalité, est une joie de descendre. » Ainsi, la nature humaine est complexe. Un Guy de Maupassant ne dira pas autre chose (voir par exemple la nouvelle « Sur l’eau ») et Charcot ou Freud ne sont pas si loin.

Mais on aurait tort de croire, comme le journaliste du Figaro, que le poète se complait dans une fange immorale. D’une part, on l’a vu, le sujet est inéluctable, c’est une réalité topographique, mais surtout il s’inscrit dans un objectif poétique de transformation qui renvoie à un désir d’ailleurs, autre grand thème baudelairien. Le poème « Mœsta et errabunda » ne dit pas autre chose : « Emporte-moi, wagon ! enlève-moi frégate ! / Loin ! loin ! ici la boue est faite de nos pleurs ! » Baudelaire y évoque au vers 2 « l’immonde cité » qui dit assez par ailleurs la condamnation morale dont elle fait l’objet. Désir d’un ailleurs qui s’exprime tout au long des Fleurs du mal et conclut d’ailleurs le recueil dans « Le Voyage ».

L’art pour échapper à l’ici-bas

En effet, dans « Mœsta et errabunda », l’enjeu consiste bien à quitter cette boue. L’homme qui a les deux pieds dans la boue perçoit, dans un mouvement vertical, les cieux et, de la noirceur, contemple la lumière : « Tel le vieux vagabond, piétinant dans la boue, / Rêve, le nez en l’air, de brillants paradis ; » (« Le Voyage ») Somme toute, on a ici l’idée très platonicienne d’une transcendance perçue à travers le rêve.

Ainsi, les poèmes des Fleurs font valoir l’irrémédiable distance qu’il y a entre le monde et un ailleurs qui s’exprime dans un platonisme évident (remarquer le mot « Idée » avec une majuscule) dans « L’Irrémédiable » :

« Une Idée, une Forme, un Être Parti de l’azur et tombé Dans un Styx bourbeux et plombé Où nul œil du Ciel ne pénètre »

Mais ce qui prédomine alors, c’est l’idée d’une chute de l’humanité tombée dans le péché (la boue) d’où le vocabulaire très religieux qui abonde dans le recueil. Dès lors, seul l’art permet de rendre supportable la laideur du monde et le spleen qu’elle engendre. En somme, l’art, le beau rendent la boue supportable, ils rendent « L’univers moins hideux et les instants moins lourds ». (« Hymne à la beauté »)

On a vu que la boue et l’or étaient indissociables (voir encore à ce sujet « Hymne à la Beauté »). L’un ne va pas sans l’autre. Si la boue du réel est transformée en or de la poésie, y a-t-il là quelque chose de nouveau ? Eh bien, les poètes du XVIe ne faisaient pas autre chose. L’écriture a souvent eu pour objectif de transformer ce qui est douloureux en chant poétique. Que l’on songe au lyrisme d’Orphée ou à Joachim du Bellay qui dans Les Regrets (sonnet XII) écrit :

Je ne chante, Magny, je pleure mes ennuis, Ou, pour le dire mieux, en pleurant je les chante, Si bien qu’en les chantant, souvent je les enchante : Voilà pourquoi, Magny, je chante jours et nuits.

En somme, l'œuvre de Baudelaire s’inscrit dans une tradition poétique que l’on pourrait qualifier de classique, et ce sera l’un des premiers poncifs de la grande réhabilitation de Baudelaire notamment lors du cinquantième anniversaire de sa mort : Baudelaire est un classique. Seulement, ce serait aller un peu vite en besogne et omettre ce qui fait la spécificité de son œuvre.

3e partie : Modernité poétique de Baudelaire : vers une nouvelle définition de l’art

La muse malade de Baudelaire

Le poème « La Muse malade » souligne l’opposition entre un passé grec rayonnant et un présent défini par la maladie et le péché. Dès lors, le poète s’interroge et se demande si sa muse (l’inspiration poétique) n’est pas perdue dans « un fabuleux Minturnes » (terme désignant un marécage romain), ce qui renvoie sinon à la boue du moins au bourbier.

Par ailleurs, dans Les Épaves, le poème « Le coucher du soleil romantique » propose une réflexion sur l’état de la poésie française en 1862. Ce soleil se couchant métaphorise le crépuscule de la poésie romantique et l’émergence de la poésie moderne qui est la poésie de la nuit, de la laideur et de l’angoisse :

L'irrésistible Nuit établit son empire, Noire, humide, funeste et pleine de frissons ;

Une odeur de tombeau dans les ténèbres nage, Et mon pied peureux froisse, au bord du marécage, Des crapauds imprévus et de froids limaçons.

On notera que le poète n’a pas d’autre choix que de subir cette disparition du soleil, pas plus qu’un Musset ne pourra échapper au mal du siècle.

Le désenchantement comme sujet poétique

Que restait-il à Baudelaire une fois que le soleil s’était retiré ? Une poésie de la nuit, de la boue, du péché. Mais alors la poésie devient œuvre alchimique et entreprend de transformer cette matière vile en or poétique. Le projet d’épilogue est une conclusion (inachevée voire inachevable ?) qui souligne que l’activité poétique consiste à transformer le mal en fleurs. Baudelaire s’est fait le poète du mal. Cf. projet de préface de la deuxième édition : « Des poètes illustres s'étaient partagé depuis longtemps les provinces les plus fleuries du domaine poétique. Il m'a paru plaisant, et d'autant plus agréable que la tâche était plus difficile, d'extraire la beauté du Mal. »

C’est donc aussi un défi poétique que le poète exprime dans L’Art romantique :

« Celui qui n’est pas capable de tout peindre, les palais et les masures, les sentiments de tendresse et ceux de cruauté, les affections limitées de la famille et la charité universelle, la grâce du végétal et les miracles de l’architecture, tout ce qu’il y a de plus doux et tout ce qui existe de plus horrible, le sens intime et la beauté extérieure de chaque religion, la physionomie morale et physique de chaque nation, tout enfin, depuis le visible jusqu’à l’invisible, depuis le ciel jusqu’à l’enfer, celui-là, dis-je, n’est vraiment pas poëte dans l’immense étendue du mot et selon le cœur de Dieu. »

Et il ajoute plus loin qu’en restreignant le champ poétique, « Vous infirmez ainsi le sens universel du mot poésie. » En somme, Baudelaire redéfinit la mission poétique traçant la voie (voix ?) à suivre. Que l’on songe à Rimbaud :

« Un soir, j’ai assis la Beauté sur mes genoux. — Et je l’ai trouvée amère. — Et je l’ai injuriée. »

Mais surtout il brise le lien tout classique entre art et beau. Le vrai, le beau et le bien, au XIXe, vont encore ensemble (persistance de la philosophie néo-platonicienne). Le titre Les Fleurs du mal liant le beau (fleurs) et le mal (laid) sonne comme une provocation. Baudelaire brise ce lien entre le beau et le bien et affirme que le mal peut être beau, suivant en ceci les préceptes romantiques (voir par exemple la préface de Cromwell ou le poème « J’aime l'araignée et j’aime l’ortie » de Victor Hugo dans Les Contemplations).

On peut enfin citer le projet de préface des Fleurs du mal dans lequel Baudelaire refuse de confondre « les bonnes actions avec le beau langage » et de confondre « l’encre avec la vertu ». Rompant avec la tradition poétique, refusant les sujets faciles (« les provinces les plus fleuries du domaine poétique »), Baudelaire entreprend un défi poétique : « Il m’a paru plaisant, et d’autant plus agréable que la tâche était plus difficile, d’extraire la beauté du Mal ». En somme, le vrai, le bien et le beau ne s’impliquent plus. C’est « une invention de la philosophaillerie moderne » dit Baudelaire. Le vrai a son domaine : la science. Le bon, la morale. Le beau, l’art. Toute une esthétique moderne vient de naître : de la décadence au surréalisme en passant par le symbolisme.

On reprend les idées principales qui sont (en gros) :

La citation « Tu m’as donné ta boue et j’en fait de l’or » peut se lire comme une réponse au journaliste du Figaro.

Elle éclaire une partie du recueil, mais ne peut certainement pas prétendre l’éclairer tout entier.

Elle n’en constitue pas moins un projet esthétique novateur qui ouvre la porte de la modernité poétique.

Les mots de l'épilogue peuvent apparaître comme une réponse au Figaro et il est vrai que le recueil peut se lire comme un douloureux parcours de réussir l'entreprise alchimique mais il serait faux de l’y réduire tant il est vrai que le recueil des Fleurs du mal abonde en poèmes qui illustrent la beauté des choses, les trésors de la mémoire, le temps retrouvé... On peut encore évoquer la dimension sociale de certains poèmes de factures anciennes comme « Le vin des chiffonniers » (voir aussi la préface du livre de poche.) En fait, le recueil de Baudelaire est d’une richesse qui donnerait raison au poète quand il écrit « je me suis arrêté devant l’épouvantable inutilité d’expliquer quoi que ce soit à qui que ce soit » (projet de préface). Il n’en reste pas moins que les Fleurs du mal si mal accueillies du vivant de l’auteur ont marqué leur siècle et redéfini l’enjeu poétique. Baudelaire bouleverse une France romantique néo-classique, baroque par certains aspects, gothique par d’autres mais fidèle à l’esprit de Raphaël. C’est la France de David et d’Ingres. Si Baudelaire est classique par certains côtés, il est sensible à d’autres conceptions de la beauté qu’il trouve notamment dans la peinture, chez Delacroix, chez Manet ensuite. Voir « Les Phares » (peintres qui ne sont pas classiques et qui ont un autre rapport de la beauté). Ne s’agit-il pas de trouver du nouveau absolument ?

 Source

Attribution = partage dans les memes conditions 3.0 France (CC BY- SA  0 FR)

Quiz Baudelaire Fleurs du mal parcours Alchimie poétique

 Exercice pour la classe de 1ère réviser et préparer le bac blanc et l'examen du baccalauréat   Quiz sur le parcours bac  Alchimie poétique la boue et l’or. et le recueil  Les Fleurs du mal, Baudelaire

Selon Rémy de Gourmont, «Hugo n’a pas été un poète mais un orateur. » La lecture des Châtiments vous fait-elle partager cet avis ?

En quoi l’écriture poétique d’apollinaire, dans alcools, s’inscrit-elle entre tradition et modernité dissertation sur une oeuvre au programme, pensez-vous que les poèmes des contemplations de victor hugo ne servent à rien dissertation sur une oeuvre au programme, pensez-vous que la poésie de victor hugo, dans les quatre premiers livres des contemplations, ne soit qu'une poésie de la souffrance, en quoi peut-on dire que le recueil poétique de baudelaire procède d’une parfaite magie , « chaque œuvre devient un univers nouveau avec ses lois particulières ». dans quelle mesure cette réflexion éclaire t-elle votre lecture d’alcools , dissertation sur une oeuvre, les contemplations de victor hugo, sujet bac général 2021, métropole,, on a reproché à baudelaire de «tout peindre, de tout mettre à nu » dans son recueil les fleurs du mal. qu'en pensez-vous , la poésie de guillaume apollinaire s’invente-t-elle en rejetant le passé dissertation corrigée, bac 2021, les contemplations sont elles vraiment les "mémoires d'une âme" , la poésie lyrique est-elle nécessairement autobiographique la poésie autobiographique est-elle nécessairement lyrique, disserter sur une oeuvre intégrale en poésie, les fleurs du mal, baudelaire. 4 sujets corrigés, disserter sur une oeuvre intégrale en poésie, "alcools", apollinaire. 4 sujets corrigés, disserter sur une oeuvre intégrale en poésie, les contemplations, victor hugo, 7 sujets corrigés, disserter sur une oeuvre intégrale du bac 2023 en poésie, les contemplations, les fleurs du mal, alcools. 15 sujets corrigés.

Comprendre le parcours, Charles Baudelaire, Les Fleurs du Mal Alchimie poétique la boue et l’or. 3

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Exercices bac français Baudelaire Les Fleurs du Mal /parcours Alchimie poétique : la boue et l'or-Evaluez votre niveau, testez vos connaissances

Date de dernière mise à jour : 27/11/2022

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Les Fleurs du Mal Charles Baudelaire 5 sujets de dissertation possibles au bac de français

Carlos Schwabe, Spleen et Idéal, 1906.

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Exemples de sujets de dissertation sur Les Fleurs du Mal de Baudelaire

Les Fleurs du Mal de Charles Baudelaire est un recueil de poèmes publié en 1857 qui a été mal accueilli par la critique et censuré dès sa parution. De nos jours, cette oeuvre est étudiée en long et en large par les étudiants.

Credit Photo : Flickr Pierre Metivier

Sujet 1 - « Tu m’as donné ta boue et j’en fait de l’or ». Dans quelle mesure ce vers de Baudelaire tiré de l’épilogue des Fleurs du Mal est-il caractéristique de cette oeuvre ?

Ici, il s’agit de comprendre en quoi l’oeuvre de Baudelaire est centrée sur des sujets de caractère essentiellement social, qui, une fois passés sous la plume de l’auteur deviennent des poèmes d’une grande richesse. Ici, Baudelaire base son recueil sur l’air de son temps en évoquant des thèmes pourtant « boueux » qui marqueront à jamais les siècles à venir. Baudelaire est un poète mettant en avant le thème de la boue qui représente le Paris du XIXe siècle. Le Second Empire est ici dépeint par une prose évoquant souvent une salubrité moyenne, avec une ville physiquement et moralement « sale » ; comme nous pouvons le voir à travers des poèmes tels que «  Le Vin des chiffonniers  » ou encore «  Crépuscules  ». Mais l’une des principales missions de Baudelaire est celle-ci : transformer cet aspect sombre de Paris en de l’or. Il s’agit ici de révéler le beau dans le laid, à l’image du poème «  Une Charogne  ».

Documents à consulter :

Les Fleurs du mal, Une Charogne - Charles Baudelaire (1857) - En quoi Baudelaire cherche-t-il à extraire l'or de la boue, la beauté du mal ?

Les Fleurs du Mal - Baudelaire (1857) - Alchimie poétique : la boue et l'or

Sujet 2 - En quoi l’oeuvre de Baudelaire est-elle un reflet de la violence du Paris du XIXe siècle ?

Ici, il s’agit de mettre en avant les divers poèmes permettant de faire dans un premier temps l’éloge, mais aussi la critique de la ville de Paris , qui abrite au sein des poèmes des prostituées ou encore des assassins dans un environnement peu luxueux.

Document à consulter :

Les Fleurs du Mal - Baudelaire (1857) - Préparation à l'oral du bac de français

Sujet 3 - Quels sont les principaux thèmes exploités par Baudelaire à travers son oeuvre Les Fleurs du Mal ?

Il s’agit ici d’un sujet thématique visant à faire ressortir les divers sujets utilisés par l’auteur. Parmi eux : le voyage, l’amour, Paris, la prostitution ou encore la mort. Un contraste entre des thèmes lumineux et sombres peut être mis en avant.

Les Fleurs du Mal, Au lecteur - Baudelaire (1857) - Une préface annonçant les thèmes de l'oeuvre

Sujet 4 - Le rêve d’un ailleurs : dans quelle mesure l'oeuvre Les Fleurs du Mal peut être caractérisée d’une quête d’un autre monde ?

À travers ce sujet, il s’agit de mettre en avant le thème du voyage dans l’oeuvre. En effet, divers poèmes de Baudelaire mettent en avant un aspect exotique du temps, laissant place à la rêverie de l’auteur.

Le Spleen de Paris. Un hémisphère dans une chevelure - Charles Baudelaire (1869) - La dégradation de l'appel lyrique vers un ailleurs onirique

Sujet 5 - En quoi le recueil des Fleurs du Mal retranscrit-il une dualité du thème de l’amour qu’éprouve Baudelaire ?

Pour ce sujet, il s’agit de tenter de percevoir la dualité qui existe chez Baudelaire au sujet de l’amour. En effet, l’amour est un thème qui revient assez fréquemment dans l’oeuvre, celui-ci passant par diverses figurines évocatrices. Si certains poèmes mettent en avant une femme synonyme de muse et de source de beauté ; d’autres au contraire tentent à montrer une femme dominatrice apparentée à la souffrance. Ici, nous pouvons percevoir alors une dualité de l’amour vacillant entre un côté joyeux et positif de celui-ci, et un autre côté davantage sombre, provoquant cette fois-ci une répulsion chez l’auteur.

Corpus de 4 poèmes de Chénier, Baudelaire, Aragon et Labé - Par quels procédés les poèmes expriment la double réalité de l'amour qui suscite la souffrance ?

Sujet 6 - Dans quelle mesure le spleen est-il caractéristique de cette oeuvre ?

Nous pouvons remarquer que le spleen est un concept qui traverse l’intégralité de l’oeuvre de Baudelaire. L’auteur y consacre même une section complète appelée «  Spleen et Idéal  ». Ici, le spleen renvoie à un état de mélancolie, d’ennui ou encore d’angoisse qui est très caractéristique de l’oeuvre baudelairienne. Il s’agit donc pour répondre à ce sujet de faire ressortir les différents poèmes mettant en avant ce procédé, et de comprendre comment celui-ci est mis à l’oeuvre.

L'Albatros - Charles Baudelaire (1859) - En quoi ce poème exprime-t-il bien la tension entre spleen et idéal ?

Sujet 7 - Par quels procédés littéraires et stylistiques peut-on percevoir la mélancolie de l’auteur à travers l’oeuvre ?

Ici, il s’agit d’une analyse aussi bien stylistique que thématique de l’oeuvre. Premièrement, il s’agit de faire ressortir les divers thèmes pouvant s’apparenter à de la mélancolie : ici, nous avons bien sûr les références au spleen, à la mort, ou encore à la maladie qui peuvent être évoquées. Mais il s’agit aussi de s’appliquer à déceler les procédés stylistiques de l’auteur pour contribuer à dégager cette aura des textes. L’angoisse est un thème très récurrent dans cette oeuvre.

La mélancolie chez Montaigne, Baudelaire et Proust

Sujet 8 - L’art à travers Les Fleurs du Mal

Pour traiter ce sujet, il convient de mettre en avant l’aspect artistique présent dans l’oeuvre. En effet, l’art pictural ou musical est très présent dans cette oeuvre qui ne reflète que l’intérêt accru de l’auteur pour des références telles que Delacroix ou encore Manet .

« C'est un des privilèges prodigieux de l'Art que l'horrible, artistement exprimé, devienne beauté (...) ». En quoi ce propos peut-il représenter les enjeux poétiques de Baudelaire ?

Sujet 9 - Baudelaire fait partie du cercle des « poètes maudits ». En quoi cette oeuvre nous aide à le comprendre ?

Au côté de Rimbaud ou encore de Mallarmé, Baudelaire est considéré comme un poète maudit. Sur quoi cette terminologie se fonde-t-elle ? Pour le comprendre, il est important d’évoquer et de mettre en avant le procès de l’auteur qui tend à le rejeter des marges de la société. Utilisant des thèmes peu appropriés à la littérature de ses contemporains, Baudelaire est alors condamné par la société qui juge ses écrits peu moraux, mettant en avant des thèmes tirés majoritairement du mal.

Comment s'exprime le poétique à travers le thème du voyage dans ces textes ? (''L'Invitation au Voyage''de Baudelaire; ''Brise Marine''de Mallarmé; ''Ma Bohème''de Rimbaud et ''Albums''de Lafargue)

Sujet 10 - Baudelaire ou le père de la modernité poétique

Ici, il s’agit de comprendre en quoi Baudelaire est aujourd’hui considéré comme le père de la modernité poétique. Pour le comprendre, il faut saisir le fait qu’à travers cette oeuvre, l’auteur met en avant des thèmes allant à l’encontre de ce qui est admis d’évoquer dans une oeuvre. Ici, nous percevons dans les divers thèmes évoqués que le poète tente de faire surgir les bas-fonds de la société parisienne en évoquant des sujets peu flatteurs. Ainsi, Baudelaire rompt les principes classiques pour venir mettre en avant une modernité littéraire qui le conduira en procès le 20 août 1857 pour cause d’outrage à la morale publique et aux bonnes moeurs. Pour ce sujet, il convient donc de mettre en avant tous les aspects controversés de Paris et de sa société mis en oeuvre et dénoncé à travers les différents poèmes.

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Conclusion: Beauty and the Poet as Alternative Lawgiver

• Published: September 2021
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The Conclusion summarizes how Baudelaire’s conception of beauty as an effect evolved into an ethos of conjecture. It discusses his view of beauty as a form of justice, and with particular reference to the opening paragraphs of Les Paradis artificiels . Defining lawgiving as the attempt to fit the apparently contingent into a pattern—to have a chaotic world make sense—it concludes the account of ‘the poet as alternative lawgiver’ by characterizing Baudelaire’s poet as one who invites his readers to become lawgivers themselves and to recast their habitual moral and intellectual perceptions of the business of living. The chapter ends by discussing the beauty of Baudelaire in the light of Seamus Heaney’s account of poetry as a form of ‘redress’, and concludes that Baudelaire considers beauty to be a force for moral good because it provokes us to re-imagine the world in a spirit of progressive and playful experiment.

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Commentaire et dissertation

Une charogne baudelaire.

Une Charogne Baudelaire. «  Une charogne  » (texte complet ICI ) est un poème de la section « Spleen et idéal » du recueil publié par Charles Baudelaire en 1857: Les fleurs du mal . A l’instar du titre de l’oeuvre, le titre de ce poème en particulier est particulièrement inattendu et transgressif pour l’époque. Notons que ce poème a une forme intéressante car elle repose sur une alternance entre alexandrins et octosyllabes. Ce texte s’inscrit à la fois dans le questionnement sur le spleen mais aussi le traitement de la beauté dans le mal qui fait de Baudelaire un alchimiste (il transforme la boue en or). Nous nous proposons d’effectuer une analyse linéaire organisée autour d’une problématique .

UNE CHAROGNE BAUDELAIRE: PROBLEMATIQUE

Comment Baudelaire trouve-t-il la beauté dans le mal?

une charogne baudelaire : Analyse linéaire

Précisons que pour faciliter le repérage et la lecture de cette explication linéaire, nous avons repéré chaque numéro de strophe à l’intérieur de chaque mouvement.

Une charogne Baudelaire : Découpage en mouvements

• D’abord, un premier mouvement peut être identifié du vers 1 au vers 8. Il pourrait être intitulé par exemple « Une promenade funèbre ».
• Puis, un deuxième mouvement (du vers 9 au vers 24). Il semble que ce qui frappe dans ce passage est « le triomphe de la vie », du mouvement. (ce qui est très paradoxal compte tenu du fait qu’il s’agit d’une carcasse).
• Ensuite, un troisième mouvement s’étend du vers 25 au vers 36. La charogne prend « une dimension artistique », esthétique même. (Là encore, cela peut paraître paradoxal si l’on s’en réfère au titre).
• Enfin, un dernier mouvement peut être identifié après le décrochement marqué de manière typographique par le tiret, il s’agit donc du vers 37 à la fin du texte. Nous pouvons voir là une forme de morale ou plutôt de « réflexion philosophique sur la mort » et en creux sur la vie.

Premier mouvement (v. 1 à 8) Une promenade funèbre

• Tout d’abord, le poème s’ouvre sur une formule très intéressante. celle du memento (souviens-toi). En effet, « rappelez-vous » est une formule qui était déjà présente dans la Bible (nous y reviendrons plus longuement dans le dernier mouvement). De plus, nous constatons que Baudelaire use d’une formule injonctive, une invitation.
• En effet, à la fin du vers, l’apostrophe « mon âme » permet de lever le voile sur la destinataire principale de cette invitation. La femme aimée. Bien entendu, le lecteur est invité, lui aussi, à faire le voyage mémoriel avec eux.
• Or, le cadre est posé dès le vers suivant: « ce beau matin d’été si doux ». Il s’agit d’un moment bucolique, une promenade en amoureux. D’ailleurs, ce moment est idéalisé par les adjectifs mélioratifs « beau » ou encore « doux ». Ils sont qui plus est renforcés par la tournure d’intensification « si ». Le lecteur s’attend à l’énumération des caractéristiques idéales de cette promenade après les deux points en fin de vers.
• Or, le vers 3 apparaît en opposition à l’effet d’attente créé plus tôt mais se trouve en adéquation avec le titre: la découverte de la charogne au détour d ‘un chemin.
• Il est intéressant de constater que l’adjectif qualificatif « infâme », qui qualifie la charogne, rime avec « mon âme ». Cette rime semble quelque peu ironique. De la même manière, d’ailleurs, que l’autre rime « doux »/ « cailloux ».
• Effectivement, la première strophe s’achève sur une métaphore de la mort: « un lit semé de cailloux ».
• Puis, dans le passage de la première strophe qui reposait sur le thème du cadre naturel, en témoigne le vocabulaire de la nature qui s’étend sur toute la strophe « sentier », « cailloux », nous glissons vers le thème du corps. Nous pouvons ainsi relever les termes « jambes », « suant », ventre ».
• Or, cette évocation du corps s’inscrit dans la description de la putréfaction: « brûlante, suant, poisons, exhalaisons ». D’ailleurs, cette évocation du cadavre en décomposition se fait à travers l’évocation des sens et en particulier l’odorat.
• En outre, cette évocation du cadavre prend une forme féminine, en témoigne la comparaison du vers 5: « comme une femme lubrique ».
• Ainsi, cette évocation du corps de la femme est assorti d’une connotation péjorative et sexuelle. Ainsi, les termes « lubrique, cynique, brûlante ou encore nonchalante » dressent un portrait d’une pécheresse.

Deuxième mouvement (v.9 à 24) le triomphe de la vie

• Ensuite, le deuxième mouvement s’ouvre également sur un paradoxe: la rencontre entre la cuisine et la putréfaction, en atteste le vers 9: « le soleil rayonnait sur cette pourriture ».
• En effet, un lexique culinaire est utilisé: « cuire », « à point ».
• En outre, la nature occupe une place centrale dans cette rencontre étonnante. Ainsi, l’allégorie, marquée par l’emploi de la majuscule le met en évidence.
• De plus, chaque strophe est initiée par une référence à la Mère Nature: « le soleil », « le ciel », « les mouches » et enfin « une vague ».
• Notons également que chacun de ces vers s’articule autour d’une comparaison . (nous le montrerons de manière plus détaillée et spécifique dans la suite de cette analyse linéaire).
• Par ailleurs, la grandeur de nature comme Tout est mise en évidence par le biais de l’enjambement aux vers 11-12: « Et de rendre au centuple à la grande Nature/ Tout ce qu’ensemble elle avait joint ».
• En outre, il convient de souligner le lexique de la putréfaction qui parcourt ce mouvement: « pourriture », « carcasse », « putride », « épais liquide ».
• Or, cette référence à la pourriture pourrait sembler naturellement corrélée à la mort et à la laideur. Cependant, Baudelaire emploie une comparaison méliorative pour décrire la carcasse: « comme une fleur s’épanouir », comparaison qui n’est pas sans rappeler le titre oxymorique du recueil.
• Pourtant, la compagne du poète est sujette au dégoût.
• Ainsi, le poète surprend en mettant en relief la beauté de la charogne mais aussi en la montrant vivante. En effet, l’adjectif « superbe » qui décrit la carcasse doit être entendu au sens étymologique c’est-à-dire orgueilleuse.
• La strophe suivante étonne également car elle montre le cycle de la vie dans le sens où de cette carcasse se dégage de nouveau un élan vital. Effectivement, le lexique des insectes: « mouches », « larves » est montré dans une forme d’agitation, de fourmillement.
• Ce fourmillement semble mis en exergue par la syntaxe, la longue phrase qui s’étend sur toute la strophe mais aussi sur la versification avec le rejet de « de larves » au vers suivant ou encore l’enjambement entre les vers 19 et 20: « De larves, qui coulaient comme un épais liquide/ Le long de ces vivants haillons ».
• Enfin, les verbes de mouvements antithétiques « descendait » et « montait » soulignent le mouvement des insectes.
• Il faut également souligner l’usage à la rime du mot « vague » selon l’usage de l’homonymie.
• Enfin, ce triomphe de la vie est insufflé par les références au verbe vivre « vivants » (v.20), « vivait » (v.24). D’ailleurs cette vitalité est renforcée par les sonorités de l’allitération en [v]: sur les deux dernières strophes « ventre », « larves », vivants », vague », « vague », « vivait ».
• Au fond, ce mouvement donne l’impression au lecteur que c’est la beauté de la nature, de son cycle vital que Baudelaire souligne dans ce poème sur la charogne.

Troisième mouvement (v.25 à 36) une dimension esthétique

• Constatons d’abord que ce mouvement s’ouvre sur l’emploi de la conjonction de coordination « et » (comme au vers 13 et 37). Cet usage permet à la fois de relier et de créer un effet d’ajout.
• Ensuite, il convient de constater que ce qui lie fortement ces deux strophes est le thème de l’art. Or, la première porte sur la musique tandis que la suivante porte sur la peinture.
• En effet, nous pouvons noter l’emploi d’un champ lexical de la musicalité avec : »musique », « eau », « vent », « rythmique ».
• Ainsi, la musique se trouve inextricablement liée au sens de l’ouïe par le biais de deux comparaisons: « comme l’eau courante et le vent ». Cette première comparaison repose donc sur la référence, une nouvelle fois, à la nature.
• Ensuite, la seconde comparaison: « Ou le grain qu’un vanneur d’un mouvement rythmique agite et tourne dans son vent ». Or, cette image est très rythmique puisque le vanneur secoue le van c’est-à-dire le panier qui lui permet de séparer le bon grain de l’ivraie.
• Dans le passage à la strophe suivante un glissement vers la peinture s’opère. Cette transition se double d’une idée d’atténuation: « s’effaçaient », un rêve », ébauche », « souvenir ».
• Ainsi, à travers ces deux références artistiques, à la musique puis à la peinture, Baudelaire crée un déplacement vers la question esthétique. Notons également que la poésie de Baudelaire montre un rapport au monde par le biais des sens. Ce mouvement s’articule autour de l’ouïe et de la vue.

Dernier mouvement (v. 37-fin) une réflexion philosophique sur la mort

• Cette strophe qui s’ouvre par « Derrière les rochers une chienne inquiète/ Nous regardait d’un oeil fâché » marque le retour au cadre prétendument bucolique initial. Autrement dit, nous revenons à la promenade du poète et de sa bien-aimée.
• La rime « fâché »/ »lâché » met en évidence l’intérêt de cette strophe qui montre bien que la mort se trouve associée à une forme de cynisme. En effet, la carcasse de ce qui fut un être vivant est désacralisé au point de servir de jouer à une chienne.
• Les trois derniers vers apparaissent comme une réflexion philosophique, morale par rapport à l’épisode qui précède. D’ailleurs, si la strophe débute par la conjonction de coordination qui prend ici une valeur consécutive, « et », elle est également mise en valeur par l’usage d’un tiret qui permet de faire ressortir ce dernier pan du texte.
• De plus, ce dernier mouvement, à l’instar du premier, marque le retour à l’adresse directe à sa bien-aimée, en creux aux lecteurs? Ainsi, Baudelaire interpelle directement dans le texte: « Et pourtant vous serez semblable à cette ordure ». Il se fait donc, une fois de plus provocateur, cynique. Le poète nous rappelle selon un memento mori que nous sommes tous destinés à mourir. Rappelons que le memento mori correspond dans la Bible à un rappel de condition mortelle: « souviens-toi, homme, que tu n’es que poussière et que tu retourneras poussière ».
• D’ailleurs, l’aspect provocateur avec lequel il rappelle à l’homme sa condition passe par un lexique de la putréfaction: « ordure », « horrible infection » est placé à la rime et « infection » porte la diérèse (il dure donc un temps de plus), « ossements », « vermine », « décomposés ».
• Puis, ce memento mori vient se heurter à un lyrisme surprenant au vers suivant. En effet, Baudelaire scinde le vers en deux apostrophes poétique ancrées dans le thème de la nature: « Etoile de mes yeux, soleil de ma nature ».
• D’ailleurs, ce vers lyrique se poursuit au vers suivant par une nouvelle apostrophe de la femme aimée qui crée une transition entre l’amour et la religion avec deux termes connotés . « Mon ange et ma passion » sont effectivement des termes qui relèvent à la fois du vocabulaire amoureux et de celui de la religion. Précisons que le mot « passion » est particulièrement mis en relief par sa position à la rime (avec infection!), par la diérèse (comme infection) et par le point d’exclamation. D’ailleurs nous savons à quel point la passion est connotée de manière négative dans la littérature, pensons à toute la tradition classique, à l’instar de Phèdre .
• Ensuite, cet adverbe, « oui » apparaît comme une provocation. En effet, le mot est à l’ouverture du vers, isolé. De plus, la tournure exclamative le renforce.
• Puis, Baudelaire se projette dans l’avenir. Effectivement, il emploie le futur de l’indicatif comme dans: « serez » ou encore « irez ». Il annonce donc à sa bien-aimée un futur inéluctable.
• D’ailleurs, ce cynisme du « oui » apparaît dans la suite de ce vers. Ainsi, la comparaison « telle vous serez, ô, la reine des grâces ». En effet, l’apostrophe pourrait paraître méliorative mais ce qui suit est en opposition.
• En effet, les vers qui suivent portent tous une évocation de la mort. Au vers 42, il s’agit d’une évocation religieuse: « après les derniers sacrements ».
• Puis, la proposition subordonnée conjonctive qui suit: « quand vous irez, sous l’herbe et les floraisons grasses » est plus pragmatique. D’ailleurs, la rime entre « grâces » et « grasses » ne manque pas d’ironie.
• Enfin, le vers qui clôt cette strophe fait une fois de plus référence à la mort. A travers l’infinitif « moisir », il évoque la question de la putréfaction.
• Il faut souligner également l’usage d’une allitération en [s] et [z]: « serez », « grâces », « sacrements », floraisons grasses », moisir », « ossements ». Les mots qui portent cette sonorité font le lien entre la mort, la religion et la putréfaction.
• Une fois encore, le poète se fait subversif. Ainsi, l’apostrophe « ô ma beauté » dans la première partie du vers semble rompre avec l’évocation de la vermine à la rime.
• D’ailleurs, il va plus loin dans le cynisme et la provocation au vers suivant, 46. En effet, la proposition subordonnée relative « qui vous mangera de baisers » est une façon provocatrice d’évoquer la mort de la femme aimée.
• Il reprend au vers final cette provocation. Dans le groupe nominal « amours décomposés », elle se renforce par l’exclamative.

Une charogne Baudelaire: conclusion

Ainsi, à travers ce long poème, Baudelaire se livre à un faux poème lyrique. En effet, la promenade amoureuse se transforme en provocation cynique. Le poète évoque la mort de sa bien-aimée de façon répugnante, sordide. Pourtant, à travers l’écriture poétique, il parvient à transfigurer la laideur en beauté sonore. Faut-il voir dans ce poème un memento mori? Un carpe diem rappelant en creux qu’il faut profiter de l’instant présent car la jeunesse et l’amour ne sont pas éternelles?

Une charogne Baudelaire: Nous espérons que cette explication linéaire complète a pu t’aider. N’hésite pas à nous le dire dans les commentaires.

D’autres fiches pour aller plus loin:

– Dissertation sur Baudelaire alchimiste (la boue en or)

– Commentaire composé « l’albatros »

-Synthèse sur le spleen baudelairien

– explication linéaire « une charogne »

– Explication linéaire « Spleen » (Quand le ciel bas et lourd)

-Une sélection réduite de poèmes pour étudier Les fleurs du mal (dissertation)

– Explication linéaire « Correspondances »

– Biographie de Charles Baudelaire

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L’albatros de Charles Baudelaire : Analyse Linéaire (Bac 2024)

Cette analyse linéaire du poème L’albatros de Charles Baudelaire est rédigée sous le prisme de l’alchimie poétique. Cependant, ce célèbre poème peut très bien s’inscrire dans le parcours “émancipations créatrices” lié au Cahier de Douai de Rimbaud.

C’est un poème très célèbre qui compare le poète à un albatros malmené par les marins.

L’analyse présentée ici propose un cadre que vous pouvez suivre et reproduire lors de l’épreuve anticipée de français. Vous pouvez bien entendu modifier la problématique, ou certaines analyses à votre convenance.

Avant de commencer à lire cette analyse, n’hésitez pas à vous reporter à mon article “ comment analyser un texte en français ”, à ma “ méthode de l’explication linéaire ” ainsi qu’à mon article sur le   vocabulaire de la poésie  pour mieux comprendre ma démarche.

Introduction de l’analyse linéaire du poème “L’albatros” des Fleurs du Mal

Présentation de l’auteur.

Charles Baudelaire, né en 1821 et mort en 1867, incarne pour beaucoup la figure du poète maudit.

Dandy parisien, dépensier à profusion, amoureux expansif, dépressif chronique, drogué, alcoolique, misogyne incurable, poète de génie, on a pu dire de nombreuses choses sur Baudelaire, dont beaucoup sont vraies …

Installé à Paris à l’âge de 21 ans, il dépense une bonne partie de l’héritage familial avant que sa mère ne décide de le placer sous tutelle, ce qu’il vit comme une humiliation. Toujours est-il qu’il est dès lors obligé de travailler pour vivre, et devient donc, en 1845, critique littéraire.

Ce travail lui permet de continuer à fréquenter les cercles littéraires, et à vivre d’excès. Il entame à cette époque une liaison avec l’actrice Jeanne Duval qu’il évoquera dans plusieurs poèmes des Fleurs du Mal . En 1847, le jeune poète rencontre Marie Daubrun, qui sera sa deuxième maîtresse importante.

L’année suivante, Baudelaire découvre Edgar Alan Poe dont il devient le traducteur en français. En plus de la grande beauté de ses traductions, Charles Baudelaire tire de cette expérience une grande source d’inspiration pour sa poésie.

Présentation de l’oeuvre

C’est en 1857 qu’il publie son chef-d’oeuvre : Les Fleurs du Mal . Dès sa sortie, le recueil est mis en procès, et finalement condamné pour “délit d’outrage à la morale publique et aux bonnes moeurs”. Ce verdict est un choc pour Baudelaire, qui tout de même rencontre un immense succès pour son recueil.

De fait, Les Fleurs du Mal est un recueil éclectique, entre Romantisme, Parnasse et Symbolisme, lyrique parfois dans les poèmes d’amour dédiés à ses deux grandes maîtresses.

Mais dans ce recueil, il s’agit surtout pour Baudelaire, de se faire alchimiste poétique, c’est à dire d’utiliser la poésie pour accomplir le Grand Oeuvre de transformer la boue en or. Sublimer par les vers, la laideur du réel, tel est son accomplissement.

Présentation du poème

Présent au début du recueil, le célèbre poème “L’albatros” assimile le poète à l’oiseau : superbe dans son univers, le ciel, mais ridicule et maltraité parmi les hommes du commun.

Problématique

Ainsi, nous pourrons nous demander de quelle manière Baudelaire évoque sa condition d’homme et de poète .

Pour mener cette  analyse linéaire du poème “L’albatros” , nous suivrons les mouvements du texte. D’abord  la description de l’oiseau dans les airs  dans la 1ère strophe, ensuite, la description de l’oiseau à terre dans les strophes 2 et 3, enfin, la comparaison du poète et de l’albatros dans la dernière strophe.

Texte du poème “L’albatros” pour l’analyse linéaire

Souvent, pour s’amuser, les hommes d’équipage Prennent des albatros, vastes oiseaux des mers, Qui suivent, indolents compagnons de voyage, Le navire glissant sur les gouffres amers.

A peine les ont-ils déposés sur les planches, Que ces rois de l’azur, maladroits et honteux, Laissent piteusement leurs grandes ailes blanches Comme des avirons traîner à côté d’eux.

Ce voyageur ailé, comme il est gauche et veule ! Lui, naguère si beau, qu’il est comique et laid ! L’un agace son bec avec un brûle-gueule, L’autre mime, en boitant, l’infirme qui volait !

Le Poète est semblable au prince des nuées Qui hante la tempête et se rit de l’archer ; Exilé sur le sol au milieu des huées, Ses ailes de géant l’empêchent de marcher.

L’albatros de Charles Baudelaire : Analyse linéaire

I. la description de l’oiseau dans le ciel.

Le premier quatrain n’est en fait qu’ une seule longue phrase qui évoque la grandeur, la large envergure de l’albatros .

Le rythme lent imposé par la juxtaposition et les nombreux compléments circonstanciels et expansions du nom (“pour s’amuser” ; “sur les gouffres amers” ; “vastes oiseaux des mers” ; “qui suivent”) imagent le vol majestueux et calme de l’oiseau .

Les jeux de sonorités participent également de cette évocation de la majesté de l’oiseau. On relève une allitération en -v “vastes” ; “voyage” ; “navire” qui peut laisser entendre le vol de l’albatros.

Une assonance en -an “souvent” ; “indolent” ; “glissant” peut également donner un effet de beauté et de grâce.

Enfin, l’oiseau est désigné par l’hypallage “vastes oiseau des mers”. Ici, l’adjectif vaste s’appliquerait plus logiquement à la mer. Ainsi, le poète insiste de manière hyperbolique sur la grandeur de l’oiseau.

Hélas, malgré cette majestueuse grâce de l’albatros, on voit qu’il est victime des hommes . Le premier mot du poème est l’adverbe de fréquence “souvent” qui dénote l’habitude. Accompagné du présent à valeur itérative “prennent”, cet adverbe renforce l’idée d’une scène qui se produit régulièrement.

Par ailleurs, le pluriel appliqué au nom “albatros” (des albatros) laisse entendre que la scène est régulière, et touche de nombreux oiseaux de cette espèce. Le choix du verbe prendre donne également une impression de violence : l’oiseau ne peut pas s’échapper.

Le complément circonstanciel de but “pour s’amuser” illustre la cruauté des hommes. Pour eux, la torture à venir de l’oiseau n’est qu’un jeu, un passe-temps.

On remarque également dans ce vers que les marins sont désignés par la périphrase “hommes d’équipage”. On peut gloser que cette périphrase permet au poète de faire apparaître le mot “hommes”, et donc de préparer l’extension de son propos à l’ensemble de la société .

Au niveau de la versification, les vers 1-2 comprennent un enjambement (le sujet et le verbe de la phrase sont dans 2 vers différents). Ce débordement de la phrase sur 2 vers évoque lui aussi la grandeur de l’oiseau, mais également sa gaucherie.

On peut entendre les vers trébucher, comme l’oiseau lorsqu’il est pris par les marins .

La cruauté des marins est soulignée par la proposition subordonnée relative “qui suivent”, complément de l’antécédent “des albatros”. On voit ici que les oiseaux sont parfaitement inoffensifs et que les marins s’attaquent à eux sans raison.

Le dernier vers de la strophe évoque pourtant la danger que courent les hommes sur la mer. L’al litération en -s/z/f “gli ss ant s ur les gou ff re s amers” évoque le vent qui se lève et pourrait facilement balayer le bateau.

Le groupe nominal “gouffres amers” sur lequel glisse le navire connote également cette idée de danger.

Ce danger, l’albatros n’y est pas soumis, le vent n’est pas son ennemi, ni les gouffres marins qu’il survole. Aussi est-il sur ce point supérieur aux hommes.

II. La description de l’oiseau à terre

La description de l’albatros change complètement une fois qu’il est déposé au sol. Il passe de majestueuse créature volante à ridicule oiseau au sol. Les strophes 2 et 3 racontent son calvaire, maltraité par les marins qui représentent la société.

Au niveau des sonorités, on remarque que l’assonance en -an est remplacée par une allitération en -p dès le vers 5 : “peine” ; “déposés” ; “planches”. Cette allitération laisse entendre la violence subite par l’oiseau .

On note également l’allitération en -l au vers 7 et 8 : “l’azur” ; “maladroit” ; “laisse” ; “leurs” ; “ailes” ; “blanche”. Cette dernière peut suggérer l’idée que les grandes ailes de l’albatros, atout dans le ciel sont maintenant un handicap. Elles prennent trop de place et le gênent, comme le “l” dans ces vers.

La scène se déroule rapidement. Alors que la première strophe évoquait le vol lent de l’albatros, la seconde strophe commence par la locution adverbiale « À peine » qui montre que l’oiseau n’a pas le temps de s’adapter à son nouvel environnement.

Ce nouvel environnement est aussi bien le pont du bateau, désigné par la métonymie “les planches” qu’une scène de théâtre, que peut suggérer cette métonymie . Ainsi, les marins s’apprêtent-ils à tourner l’oiseau en ridicule pour se divertir autour de son triste spectacle.

Au vers suivant, l’ antithèse  entre le groupe nominal « rois de l’azur » et ses adjectifs « maladroits et honteux » met en valeur la transformation et la dégradation de l’albatros .

Cette dégradation est également suggérée par l’arrivée, vers 7 et 8 de l’assonance en -eu “piteusement” ; “leurs” ; “grandes” ; “ailes” ; “d’eux”. Cette sonorité, beaucoup moins gracieuse que l’assonance en -an de la première phrase évoque le ridicule de l’oiseau.

Notons également la comparaison “comme des avirons” qui désigne les ailes de l’albatros. L’image est étrange, car pour les humains, les avirons permettent d’avancer, alors que les ailes de l’oiseau ne sont qu’un handicap une fois posé au sol.

Dans la troisième strophe, le rythme se saccade, les phrases se raccourcissent. On voit que l’albatros a perdu toute la grâce de son mouvement aérien et se retrouve à trébucher au sol. Cette strophe, évoque, par des jeux de mots et de rythme, la moquerie de l’oiseau.

L’antithèse entre le groupe nominal “voyageur ailé” et ses adjectifs “gauche et veule” confirme la maladresse de l’albatros posé au sol.

Le poète laisse entendre sa plainte par les 3 phrases exclamatives de cette strophe. On peut sentir qu’il plaint l’oiseau, mais ne peut lui venir en aide.

Par ailleurs, on remarque que l’oiseau, par les noms qui le désignent et les adjectifs qui le qualifient, est progressivement personnifié et se rapproche du poète : “voyageur” ; “gauche” ; “comique” ; “infirme”

On entend également dans les mots choisis, par des jeux d’homophonie, les mauvaises plaisanteries des marins ridiculisant l’oiseau : “ce voyageur ailé” peut s’entendre “ce voyageur est laid”. On trouve d’ailleurs un écho au vers 10 (“comique et laid”).

Les  verbes d’action au présent de l’indicatif  montrent les hommes torturant et se moquant de l’albatros. Le lecteur peut avoir pitié du pauvre oiseau avec lequel jouent des marins “pour s’amuser”.

Enfin, l’oxymore finale de la troisième strophe   « l’infirme qui volait » désigne l’albatros entre liberté́ et soumission. On retrouve dans le poème les champs lexicaux de la domination et du déclassement qui corroborent cette opposition : « vastes oiseaux » v. 2, « rois de l’azur» v. 6, «grandes ailes» v. 7, «prince des nuées» v. 13, «se rit de» v. 14, «ailes de géant» v. 16 / « déposés » v. 5, « maladroit et honteux », v.6, « piteusement » v. 7, « traîner » v. 8, « gauche et veule » v. 9, « boitant » v. 12, « exilé » v. 15 

III. La comparaison du poète et de l’albatros

La dernière strophe donne au lecteur la clé du poème : l’albatros est une allégorie du poète et de sa condition d’artiste . Dans la société, il n’est qu’un homme dont on se moque, mais dans son univers de création poétique, il est supérieur et libre.

La comparaison  du vers 13 exprime clairement le rapprochement entre le poète et l’albatros. On voit que l’oiseau est désigné par la périphrase  élogieuse “prince des nuées”, ce qui permet d’une part de le personnifier, et d’autre part d’insister sur sa grandeur, et donc sur celle du poète.

On remarque par ailleurs que le nom “Poète” porte une majuscule , ce qui le rapproche d’une figure divine. Il apparait donc que le poète porte en lui la même opposition que l’albatros. Il est un être supérieur, mais incapable de vivre parmi les hommes qui le tournent en ridicule et le font souffrir.

Ainsi, comme l’albatros, le poète est insensible aux attaques violentes qu’il reçoit : il “se rit de l’archer” et “hante la tempête”. Il est en fait intouchable dans son monde de poésie.

L’utilisation du verbe hanter est intéressante car elle peut suggérer que le poète, comme un fantôme, est forcé de vivre parmi les hommes, mais n’est que traversé par leurs attaques.

Enfin, le poète est voué à la solitude, comme l’indique l’adjectif “exilé” (v.14) Il est un incompris, il ne reçoit que des “huées”.

La fin du poème voit la fusion du poète et de l’albatros s’achever. Le poète est finalement désigné comme l’albatros, car on ne sait plus à qui s’applique le déterminant possessif “ses ailes de géant”.

Aussi, les ailes peuvent-elles désigner métaphoriquement le pouvoir poétique du poète , qui est un don, mais une malédiction parmi les hommes, car il le condamne à la solitude.

En effet, le poète ne pourra jamais se comporter comme les autres hommes. C’est le sens qu’il faut donner au dernier vers : “ses ailes de géants l’empêchent de marcher.”

Certes, le poète peut bien plus que “marcher”, c’est à dire se fondre dans la masse. Son pouvoir lui permet de s’élever au-dessus des hommes.

Mais Baudelaire nous rappelle ici que toute médaille possède un revers. L’utilisation du verbe négatif “l’empêchent” exprime cette impossibilité finale de vivre parmi les autres hommes.

Conclusion de l’analyse linéaire du poème “L’albatros” de Charles Baudelaire

Rappel du développement.

Ce poème, en évoquant d’abord la majesté d’un albatros capturé par des marins, puis sa déchéance une fois posé au sol, opère finalement une comparaison entre le sort de l’oiseau et celui du poète.

Réponse à la problématique 

En s’appuyant sur l’allégorie de l’albatros, Baudelaire évoque en réalité sa condition de poète , âme divine ayant chuté sur terre. Il affirme sa dualité, celle d’être un homme maltraité par ses pairs, mais également un individu supérieur capable de s’élever au-dessus de ces bassesses par la poésie.

Ce poème, par l’oiseau qu’il met en scène et la réflexion sur la figure du poète, peut évoquer le poème “ La nuit de mai ” d’Alfred de Musset, où un pélican, image du poète, offre son coeur pour nourrir ses petits.

Cependant, c’est surtout du thème de l’alchimie poétique qu’il faut rapprocher le poème “L’albatros”. En effet, le lecteur lit bien ici une transformation, la sublimation d’un être maladroit et inadapté en un être supérieur, par la parole poétique.

Prolongements sur l’analyse linéaire du poème “L’albatros”

Vous trouverez ici une  liste des 25 figures de style à connaître pour le Bac . Pour ficher efficacement votre explication :  https://la-classe-du-litteraire.com/comment-ficher-une-explication-lineaire/  et enfin, les erreurs à éviter à l’oral du Bac :  https://la-classe-du-litteraire.com/bien-reussir-son-explication-lineaire/

Enfin, l’analyse linéaire du poème “À une charogne” de Charles Baudelaire : https://la-classe-du-litteraire.com/a-une-charogne-analyse-lineaire/

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Introduction à la dissertation sur Baudelaire: Guide détaillé

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=== Dans cet article, nous allons vous guider à travers une introduction à la dissertation sur Charles Baudelaire, un des plus célèbres poètes français du XIXe siècle. Nous allons explorer sa vie, son œuvre, sa contribution au mouvement symboliste, ses techniques d’écriture et finalement, comment aborder une dissertation sur Baudelaire.

1. Présentation de Charles Baudelaire : Un profil biographique

Charles Pierre Baudelaire naît à Paris en 1821. Son père meurt alors qu’il n’a que six ans, et sa mère se remarie rapidement. Ce mariage est source de conflits pour le jeune Baudelaire. Il étudie au lycée Louis-le-Grand à Paris, mais est renvoyé pour indiscipline. Plus tard, après avoir dilapidé une partie de son héritage, sa famille tente de le sauver de la débauche en l’envoyant en voyage vers l’Inde, mais Baudelaire revient à Paris après quelques mois seulement.

En 1845, il commence à publier des critiques d’art et de littérature. Ses premiers poèmes paraissent dans des revues. En 1857, il publie son œuvre la plus célèbre, "Les Fleurs du Mal", qui provoque un scandale et est condamnée pour outrage aux bonnes mœurs. Baudelaire est ruiné par le procès et sa santé décline rapidement. Il décède en 1867, à l’âge de 46 ans.

2. Analyse de l’œuvre de Baudelaire : Les thématiques clés

Le travail de Baudelaire est marqué par plusieurs thèmes clés. Le péché et la rédemption sont des thèmes centraux de nombreuses œuvres, notamment dans "Les Fleurs du Mal". Baudelaire explore également le thème de la beauté, souvent associé à la décadence et la corruption. De plus, sa poésie fait souvent référence à l’ennui, à la mélancolie et à l’isolement.

Baudelaire est également connu pour son exploration de la vie urbaine, en particulier celle de Paris. Cette préoccupation est évidente dans son œuvre "Le Spleen de Paris". L’exploration de ces thèmes, ainsi que son utilisation innovante de la forme et du langage, font de Baudelaire un précurseur du mouvement symboliste.

3. Baudelaire et le mouvement symboliste : Un rôle pivot

Baudelaire est souvent considéré comme le précurseur du mouvement symboliste, qui cherche à évoquer plutôt qu’à décrire. Les symbolistes sont influencés par Baudelaire en raison de son utilisation de symboles pour exprimer des sentiments et des émotions complexes. Son travail est marqué par l’importance accordée à la forme et au langage, ainsi que par son exploration de thèmes tels que le péché et la rédemption, l’ennui et l’isolement.

La contribution de Baudelaire au mouvement symboliste ne peut être

4. Techniques d’écriture de Baudelaire : Une exploration

Baudelaire est célèbre pour son utilisation novatrice du langage et de la forme. Il utilise souvent des images fortes et des symboles pour exprimer ses idées et ses sentiments. Il est également connu pour son utilisation de la musicalité, avec une attention particulière portée au rythme et à la sonorité. En outre, il utilise souvent la juxtaposition et l’antithèse pour créer des contrastes frappants.

Baudelaire a également une approche unique de la structure de ses poèmes. Par exemple, "Les Fleurs du Mal" est organisé en six sections, chacune explorant un thème différent. Cette organisation donne une unité et une cohérence à l’ensemble de l’ouvrage.

5. Approche pour la dissertation sur Baudelaire : Les étapes à suivre

Lors de la rédaction d’une dissertation sur Baudelaire, il est important de commencer par une analyse détaillée de l’œuvre que vous avez choisie. Identifiez les thèmes clés, les techniques utilisées et les idées exprimées. Une fois que vous avez une compréhension approfondie de l’œuvre, vous pouvez commencer à élaborer votre argument.

Votre argument doit être clair et cohérent. Il peut être utile de définir une thèse que vous allez soutenir tout au long de votre dissertation. Assurez-vous d’inclure des preuves tirées de l’œuvre pour appuyer votre argument.

6. Exemples de sujets de dissertation sur Baudelaire : Inspiration pour vos travaux

Pour vous aider à démarrer, voici quelques exemples de sujets de dissertation sur Baudelaire : "L’exploration de la beauté et de la décadence dans l’œuvre de Baudelaire", "L’influence de Baudelaire sur le mouvement symboliste", "L’utilisation de la musicalité dans la poésie de Baudelaire", "L’exploration de la vie urbaine dans ‘Le Spleen de Paris’ de Baudelaire".

Chacun de ces sujets pourrait faire l’objet d’une dissertation approfondie. Assurez-vous de soutenir vos arguments avec des preuves tirées des œuvres de Baudelaire.

=== En conclusion, la rédaction d’une dissertation sur Baudelaire offre une opportunité fascinante d’explorer le travail d’un poète qui a eu une influence considérable sur le mouvement symboliste et la littérature française en général. Que vous analysiez ses thèmes, ses techniques ou son influence, assurez-vous de faire preuve de rigueur dans votre analyse et de soutenir vos arguments avec des preuves solides tirées de son œuvre. Bonne chance dans vos recherches et votre écriture!

• Art Influencers

Charles Baudelaire

French Poet, Art Critic, and Translator

Summary of Charles Baudelaire

Baudelaire is arguably the most influential French poet of the nineteenth century and a key figure in the timeline of European art history. A denizen of Paris during the years of burgeoning modernity, his writing showed a strong inclination towards experimentation and he identified with fellow travellers in the field of contemporary painting, most notably Eugène Delacroix and Édouard Manet . A rebel of near-heroic proportions, Baudelaire gained notoriety and public condemnation for writings that dealt with taboo subjects such as sex, death, homosexuality, depression and addiction, while his personal life was blighted with familial acrimony, ill health, and financial misfortune. Despite these hinderances, he managed to leave his indelible stamp on three overlapping idioms: art criticism, poetry, and literary translation. It is in respect of the former that he can be credited with providing the philosophical connection between the ages of French Romanticism , Impressionism and the birth of what is now considered modern art .

Accomplishments

• Baudelaire saw himself as the literary equal of the contemporary artist; especially Delacroix with whom he felt a special affinity. Like Delacroix, Baudelaire was committed to testing the limits of his art in the way he sought to capture the vicissitudes of human emotions. Where Baudelaire used poetry to achieve this affect, Delacroix used color, but both men were leading a charge towards a new - modern - era in art history.
• Baudelaire's name is inextricably linked with the idea of the flâneur : the anonymous street wanderer who created a poetic record of the rapidly shifting environment to which he, and his fellow urban dwellers, were exposed. As a "man of the city", he wandered anonymously throughout the streets, embankments, and arcades of Paris observing the behaviour of crowds in this new age of window shopping and cafe culture. The concept of the flâneur became an important phenomenon for future artists and, after the writings of the philosopher and critic Walter Benjamin which introduced Baudelaire to a new twentieth century audience, for the academic development of the cultural studies too.
• Baudelaire played a significant part in defining the role both of the artist and the art critic. In his call for a more modern (more relevant) art style, Baudelaire argued that artists like Delacroix and Manet offered the best step forward in that direction. But he also helped viewers see the importance of the Neoclassicist Jacques-Louis David , appreciate the talents of lesser-known artists such as the illustrator Constantin Guys and the etcher Charles Meryon, all of whom captured something of the fleeting mood of their times.
• Baudelaire became a close friend of Manet on whom he had a profound influence. Indeed, it was through Baudelaire's encouragement that Manet - a kindred spirit who was reviled for his painting Olympia just as much as Baudelaire had been reviled for his collection Les Fleurs du Mal - ultimately fulfilled Baudelaire's vision of the true painter of modern life; one who could capture the transient quality of modern Paris with a new picture perspective and energized color palette.

The Life of Charles Baudelaire

The original flâneur , Baudelaire was an invisible idler; the first connoisseur of the streets of modern Paris. "I walk alone", he wrote, "absorbed in my fantastic play [...] Tripping on words, as on rough paving in the street, Or bumping into verses I long had dreamed to meet".

Charles Baudelaire and Important Artists and Artworks

The Death of Marat (1793)

Artist: Jacques-Louis David

Arguably Jacques-Louis David's greatest painting, The Death of Marat , features the French revolutionary leader Jean-Paul Marat at the moment of his death. He often worked at a makeshift desk while in his bathtub to help alleviate irritation from his chronic skin condition and it is here that he was assassinated by the federalist revolutionary C harlotte Corday. Beautifully awash in light, in this painting his white skin stands in sharp contrast to the dark background and his limp body evokes similarities to Christ's body at the time of his deposition from the cross. A champion of Neoclassicism, Charles Baudelaire praised this painting in an article about the movement in the journal Le Corsaire-Satan in 1846. His adoration of the painting offers proof of Baudelaire's willingness to challenge public opinion. According to author Frederick William John Hemmings, at the time of publication, political public opinion was not in favor of the Revolution and so, "in praising [the painting] Baudelaire was well aware that he was flying in the face of received opinion. Today, of course, the unpopular view he put forward is the generally accepted one ". This painting saw the writer begin to embrace modernity. Of the painting specifically, he wrote, "the drama has been caught, still living in all its lamentable horror, and by a strange feat that makes of this painting David's true masterpiece and one of the great curiosities of modern art, it has nothing trivial or ignoble about it". In describing its impact, Baudelaire added, "there is something in this work that melts the heart and wrings it too; in the chilly air of this chamber, on these cold walls, around this cold bath-tub is also a coffin, there hovers a soul". David's depiction surely spoke to the radical spirit in Baudelaire.

Oil on canvas - Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels, Belgium

Grande Odalisque (1814)

Artist: Jean Auguste Dominque Ingres

A nude woman, but for the colorful scarf in her hair and bracelets on her wrist, dominates the canvas of Jean Auguste Dominque Ingres's Grande Odalisque . As the title indicates, she is a harem girl who lounges across cushions and colorful sheets in her bedroom in which also hangs a blue brocade curtain in an exotic pattern. The model is a study in contradictions in that her nudity and her direct gaze, looking back over her right shoulder, make her actions seem at once demure and bold. A controversial work, it was the subject of much debate when it first debuted at the Paris Salon of 1819. According to art historian François De Vergnette, "the nude was a major theme in Western art, but since the Renaissance figures portrayed in that way had been drawn from mythology; here [however] Ingres transposed the theme to a distant land". Ingres's willingness to push for a more modern form made him an artist worthy of analytical scrutiny for Baudelaire. Today this work is considered a precursor to the Romantic movement. According to the art historian Rosemary Lloyd, Baudelaire believed that Romanticism was the "expression of beauty, springing from a sharp awareness of what the modern world has to offer that makes its forms of beauty unique". Baudelaire was especially impressed with any artist who could master the art of portraiture and depictions of human figures. Of the art of portraiture, he stated, "here the art is more difficult because it is more ambitious. You have to be able to bathe a head in the gentle vapours of a hot atmosphere or make it rise from the depths of dusk". According to Lloyd, Baudelaire considered Ingres to be, "'the master of line' and here in this work he shows his mastery over the human figure while simultaneously rendering it in a modern way".

Oil on canvas - Collection of Louvre, Paris, France

28 July: Liberty Leading the People (1830)

Artist: Eugène Delacroix

In July 1830, "the People" of Paris embarked on a bloody revolt against the country's dictatorial monarch, King Charles X. On completing his commemoration of this momentous historic event Delacroix wrote to his brother stating: "I have undertaken a modern subject, a barricade, and although I may not have fought for my country, at least I shall have painted for her". The resulting painting was an archetype of Romanticism; destined to become one of France's finest art treasures, and Delacroix's greatest masterpiece. The artist's blend of classical allegory - "Liberty" as immortal and untouchable goddess brandishing the tricolour and leading her subjects into battle - with blunt realism - "Liberty" is dishevelled and flushed of face as she stands atop the bodies of the injured and dying - was brought to life by Delacroix through loose brush strokes and vivid coloring. Baudelaire was Delacroix's most vocal supporter, describing him as "decidedly the most original painter of all times, ancient and modern" while adding that "everything in his oeuvre is desolation [...] smoking, burning cities, raped women, children thrown under the hooves of horses or stabbed by delirious mothers". Yet for all the artist's thematic preferences, Baudelaire was equally absorbed by Delacroix's handling of color since this illustrated perfectly the "correspondences" between the poet and the painter. While the poet was challenged in their ability to describe colors, the painter was equally curtailed in their ability to capture non-visual emotions and sounds. Baudelaire's higher appreciation of Delacroix was based on the idea that a Romantic painter of Delacroix's standing was the supreme colorist who could use his palette to capture and convey non-visual sensations. Color, in other words, could, if applied with great skill and verve, bring about a higher "poetic" state of bliss in the viewer.

Portrait of Charles Baudelaire (1844)

Artist: Émile Deroy

Émile Deroy's portrait of Baudelaire shows his sitter staring directly out at the viewer; his left hand resting and one finger extended pressing on the side of his head. According to author Frederick William John Hemmings, Deroy painted his portrait "in four sittings in the reception room of his apartment, at night and by lamplight, with Nadar and three other artist friends looking on and making suggestions [...] This is Baudelaire posing as Mephistopheles, with his carefully trimmed beard and moustache and the thick black eyebrows of which one is slightly raised to give a quizzical, sardonic look as he gazes straight at the spectator". Deroy played an important role in Baudelaire's life. According to Hemmings it was "thanks to Deroy [that] Baudelaire was able to visit the studios of painters and sculptors in the neighbourhood and engage them in talk, imbibing in this way much of the technical information put to good use in his later writings on art. Indeed, Deroy introduced Baudelaire to the Café Tabourey where he was "able to meet and listen to some of the leading art critics of the day". According to Hemmings, Deroy was angry that his portrait was not being accepted into the Paris Salon of 1846. This did not deter Baudelaire from treasuring it for many years. Sadly, Deroy died only two years after completing his heroic portrait of his friend.

Oil on canvas - Collection of Musée national du château de Versailles, Versailles, France

Portrait of Charles Baudelaire (1847)

Artist: Gustave Courbet

In Gustave Courbet's portrait, Baudelaire is pictured with the tools of his trade. He is reading a book (perhaps reviewing something he has just written) his feather quill and ink stand await his attention on the table at which he sits. Bedecked in a brown coat and yellow neck-scarf, he is placed in the sparse surroundings that convey the reduced financial circumstances in which he lived most of his adult life. Baudelaire and Courbet were good friends and yet Baudelaire rarely wrote about the artist. Courbet was to Realism what perhaps Delacroix was to Romanticism and the former movement did not conform to Baudelaire's idea of modernism. According to the records of the Musée d'Orsay, since he "considered 'the imagination to be the queen of faculties', Baudelaire could not appreciate Realism". The d'Orsay records how Badelaire referred to Corbet as no more than a "powerful worker" in an August 1855 issue of Le Portefeuille stating further that "the heroic sacrifice that Monsieur Ingres makes for the honour of tradition and Raphaelesque beauty, Courbet accomplishes in the interests of external, positive, immediate nature ". Courbet's portrait speaks most then of the men's mutual respect; a friendship that easily transcended aesthetic and ideological differences of opinion.

Oil on canvas - Collection of Musée Fabre, Montpellier, France

Pont-Neuf, Paris (1853)

Artist: Charles Meryon

One of a series of etchings of which Paris landmarks are the theme, this etching by Charles Meryon features the Pont-Neuf bridge. According to text from The Metropolitan Museum of Art, the focus of this work is, "the semicircular stone boutiques lining the bridge, which were actually in the process of being removed when Meryon chose this subject for his print". Baudelaire liked to write about the artists whose work he most admired and spent a portion of his Salon de 1859 publication focusing on Meryon's city etchings, stating that, "through the harshness, refinement, and sureness of his drawing, M. Meryon recalls the excellent etchers of the past". But it was more than just his technique that Baudelaire admired, writing "I have rarely seen the natural solemnity of a vast city represented with more poetry. The majesty of massed stone, spires 'pointing to the sky', the obelisks of industry vomiting to the firmament their accumulations of smoke, the prodigious scaffolding of monuments under repair, applying to the solid body of the architecture their own open-work architecture with its highly paradoxical beauty, the turbulent sky, freighted with rage and rancor, the depth of perspectives increased by the thought of all the drams that have unfolded within them, none of the complex elements that make up the grim and glorious decour of civilization has been forgotten". For a man who loved Paris and loved the idea of modernity as Baudelaire did, Meryon's image, which effectively captured their city in a state transition, served as the visual embodiment of the poet's own heartfelt views of the fleeting qualities of the age.

Etching and drypoint - Collection of The Metropolitan Museum of Art, New York, New York

Boy with Cherries (1859)

Artist: Édouard Manet

Manet's realist portrait shows a young blond-haired boy leaning on a stone wall cupping a bowl of cherries. Manet's control of composition is revealed here through his use of vivid red color which matches the boy's cap with the fruit. That he is happy is abundantly evident in his sweet smile, yet there is a terribly sad irony behind the painting. The subject of this painting is a boy named Alexandre who had, in Baudelaire's words, an " intemperate taste for sugar and brandy ", and was given to bouts of melancholy. Coming from a poor family living near the artist's studio, Manet used the boy as a model for several paintings and he earned extra pocket money from the artist by doing chores around Manet's studio. But this painting was especially personal to Manet who only completed it after discovering the boy's hanged body in his studio. A friend of Manet's, Baudelaire had heard of this tragedy and memorialized the incident in one of his last prose poems, La Corde (The Rope) (1864). The poem is dedicated "To Édouard Manet" and is written from the artist's perspective. In Baudelaire's somewhat misanthropic re-telling of events Manet visits Alexandre's mother to inform her of the tragedy. She duly accompanies Manet to his studio where the artist notices "with a disgust born of horror and anger, that the nail had remained fixed in the wall with a long piece of rope still trailing from it". The boy's mother implores Manet "Oh, sir! Let me have it! Please! I beg you!" leaving the artist to surmise that the incident had "so distressed her" that she wanted to keep the rope "as a horrible and cherished relic" of her son's death. However, according to local superstition, rope of a hanged person brings luck and Alexandre's mother plans to sell pieces of the rope to her neighbours: "And so, suddenly, a light came on in my mind, and I understood why the mother had insisted on ripping the rope from my hand and the commerce with which she meant to console herself". It is easy to read an element of cynicism towards the callous mores of commerce in Baudelaire's tale but more telling is the introduction to his poem which can be read of a thinly veiled reproach of Baudelaire's own mother whom (it seems) he never forgave for abandoning him for his stepfather: "It is as difficult to imagine a mother without motherly love as light without heat; is it not thus perfectly legitimate to attribute to motherly love all of a mother's actions and thoughts pertaining to her child? And yet, listen to this little story, where I was singularly mystified by the most natural illusion".

Oil on canvas - Collection of Calouste Gulbenkian Museum, Lisbon, Portugal

Music in the Tuileries Gardens (1862)

Manet's landmark painting shows a selection of characters from Parisian bohemian society, and Manet's own family, gathered for an open-air afternoon concert. It caused uproar when first exhibited in 1863, drawing criticism for its unfinished surface and unbalanced composition (such as the tree in the foreground which dissects the picture plane). The "crude" modern subject matter did not sit well with the Parisian art establishment either. Indeed, urban scenes would not be considered suitable subject matter for serious artists for another decade or so. Although the illustrator Constantin Guys emerged as the main protagonist in Baudelaire's " Le Peintre de la vie moderne " ("The Painter of Modern Life") in reality it was Manet who rose to the challenges laid down by the poet. According to Baudelaire, the artist who wishes to truly capture the bustle and buzz of this new Parisian society must first adopt the role of the flâneur ; a man at once a part of, and removed from, the crowd (and by placing himself in the far left of his crowd Manet would seem to self-consciously identify with the figure of the flâneur ). For Baudelaire, moreover, modernity was all about "the transient, the fleeting, the contingent" and the "painter of modern life" must be one who is capable of capturing this spirit through a shorthand style of loose brush work and lucid coloring. There is a spontaneity to Manet's painting that captures the fleeting expressions and mannerisms of individuals in his crowd. The lack of order to the painting - some figures are more defined than others and colors and shapes lose clarity as they merge into the background - conforms to Baudelaire's idea of the "contingent" and thereby offered a new painterly perspective that was at once focused and impressionable. Though it is thought that Manet used photographic portraits as a visual aid when composing his painting in the studio, his painting achieved what the new technology could not: the fleeting passages of time.

Oil on canvas - National Galley, London

Biography of Charles Baudelaire

Childhood and education.

In his later years, Baudelaire was given to describe his family as a disturbed cast of characters, claiming that he was descended from a long line of "idiots or madmen, living in gloomy apartments, all of them victims of terrible passions". Though there was no indication of how literally one should treat his claims, it is true that he had a troubled family life. He was the only son born to parents François Baudelaire and Caroline Defayis; although his father (a high ranking civil servant, and former priest), had a son (Alphonse) from a previous marriage. Baudelaire's stepbrother was sixteen years his senior while there was a thirty-four-year age difference between his parents (his father was sixty and his mother twenty-six when they married).

Baudelaire was just six years old when his father died. Nevertheless, François Baudelaire can take credit for providing the impetus for his son's passion for art. An amateur artist himself, François had filled the family home with hundreds of paintings and sculptures. Baudelaire's mother was not an art lover, however, and she took a particular disliking to her husband's more salacious pieces. According to author F. W. J. Hemmings, Caroline was "prudish enough to feel some embarrassment at being perpetually surrounded by images of naked nymphs and lusty satyrs, which she quietly removed one by one, replacing them by other less indecent pictures stored in the attics ". François died in February 1827, and Baudelaire lived with his mother in a Paris suburb for a period of eighteen months. Recalling in adulthood this blissful time alone with his mother, Baudelaire wrote to her: "I was forever alive in you; you were solely and completely mine".

Baudelaire's period of personal bliss was short lived, however, and in November 1828, his beloved mother married a military captain named Jacques Aupick (Baudelaire later lamenting: "when a woman has a son like me [...] she doesn't get married again"). His stepfather rose through the ranks to General (he would later become French ambassador to the Ottoman Empire and Spain and Senator under the Second Empire under Napoleon III) and was posted to Lyon in 1831. On their arrival in Lyon, Baudelaire became a boarding student at the Collège Royal . This event was a sign of the ambivalent relationship Baudelaire shared with the "stubborn", "misguided" yet "well intentioned" Aupick: "I can't think of schools without a twinge of pain, any more than of the fear my stepfather filled me with. Yet I loved him", he wrote in later life.

Baudelaire transferred to the prestigious Lycée Louis-le-Grand on the family's return to Paris in 1836. It was here that he began to develop his talent for poetry, though his masters were troubled by the content of some of his writings ("affectations unsuited to his age" as one master commented). Baudelaire was also given to bouts of melancholia and insubordination, the latter leading to his expulsion in April 1839. Baudelaire's parents quickly enrolled him in the Collége Saint-Louis where he successfully passed his baccalauréat exam by August 1839.

Early Training

On completing school, Aupick encouraged Baudelaire to enter military service. His decision to pursue a life as a writer caused further family frictions with his mother recalling: "if Charles had accepted the guidance of his stepfather, his career would have been very different. He would not have won himself a name in literature, it is true, but we should have been all three much happier". Baudelaire pursued his literary aspirations in earnest but, in order to appease his parents, he agreed to enrol as a "nominal" (non-attending) law student at the École de Droit .

Taking up residence in Paris's Latin Quarter, Baudelaire embarked on a life of promiscuity and social self-indulgence. He sexual encounters (including those with a prostitute, affectionately nicknamed "Squint-Eyed Sarah", who became the subject of some of his most candid and touching early poems) led him to contract syphilis. The venereal disease would lead ultimately to his death but he did not let it dent his bohemian lifestyle which he indulged in with a circle of friends including the poet Gustave Le Vavasseur and the author Ernest Prarond.

Living the life of a bohemian dandy (Baudelaire had cultivated quite the reputation as a unique and elegant dresser) was not easy to sustain and he amassed significant debts. Baudelaire approached his stepbrother for help but the sibling refused and instead informed his parents of their son's financial predicament. In an attempt to encourage him to take stock, and to separate him from his bad influences, his stepfather sent him on a three-month sea journey to India in June 1841. While the voyage fired his imagination with exotic imagery, it proved a miserable experience for Baudelaire who, according to biographer F. W. J. Hemmings, developed a stomach problem which he tried (unsuccessfully) to cure "by lying on his stomach with his buttocks exposed to the equatorial sun [and] with the inevitable result that for some time afterwards he found it impossible to sit down ". Having reached Mauritius, Baudelaire "jumped ship" and, after a short stay there, and then on the island of Reunion, he boarded a homebound ship that docked in France in February 1842.

Mature Period

Baudelaire finally gained financial independence from his parents in April 1842 when he came into his inheritance. Flush with funds, he rented an apartment at the Hôtel Pimodan on the Île Saint-Louis and began to write and give public recitations of his poetry. His inheritance would have supported an individual who conducted their financial concerns with prudence, but this did not fit the profile of a dandified bohemian and, before very long, his extravagant spending - on clothes, artworks, books, fine dining, wines and even hashish and opium - had seen him squander half his fortune in just two years. He had also succumbed to the tricks of fraudsters and unscrupulous moneylenders. So concerned were they about their son's predicament, Baudelaire's parents took legal control of his inheritance, restricting him to only a modest monthly stipend. This was insufficient to cover his debts, however, and he became financially dependent on his parents once more. This situation infuriated Baudelaire whose reduced circumstances led to him being forced (amongst other things) to move out of his beloved apartment. He fell into a deep depression and in June of 1845 he attempted suicide.

Baudelaire had met Jeanne Duval soon after his return from his ill-fated voyage to the South Seas. She was his lover and then, after the mid-1850s, his financial manager too. Duval would come in and out of his life for the rest of his years, and inspired some of Baudelaire's most personal and romantic poetry (including "La Chevelure" ("The Head of Hair")). Baudelaire's mother disapproved of the fact that her son's muse was a poor, racially-blended, actress and his connection with her further tested their already strained relationship. Despite his various woes, Baudelaire was also developing his unique writing style; a style where, as Hemmings described it, "much of the work of composition was done out of doors [and] in the course of solitary walks round the streets or along the embankments of the Seine".

As part of his recovery from his suicide attempt, Baudelaire had turned his hand to writing art criticism. He was a committed art lover - he spent some of his inheritance on artworks (including a print of Delacroix's Women of Algiers in their Apartment ) and was a close friend of Émile Deroy who took him on studio visits and introducing him to many in his circle of friends - but had received next-to-no formal education in art history. According to Hemmings, his knowledge of art had been based on no more than "frequent visits to art galleries, beginning with a school trip in 1838 to view the royal collection at Versailles, and the knowledge of art history he had picked up from his reading" (and, no doubt, from the bohemian social circles in which he moved). His first published art criticism, which came in the shape of reviews for the Salons of 1845 and 1846 (and later in 1859), effectively introduced the name of "Charles Baudelaire" to the cultural milieu of mid-nineteenth century Paris.

Baudelaire was a champion of Neoclassicism and Romanticism , the latter being, in his view, the bridge between the best of the past and the present. He was especially enraptured by the paintings of Eugène Delacroix (he soon made the personal acquaintance of the artist who inspired his poem Les Phares ) and through him, and through praise for others such as Constantin Guys, Jacques-Louis David and Édouard Manet he offered a philosophy on painting that prescribed that modern art (if it was to warrant that accolade) should celebrate the "heroism of modern life". He further prescribed that the "true painter" would be one who "proves himself capable of distilling the epic qualities of contemporary life, and of showing us and making us understand, by his colouring and draughtsmanship, how great we are, how poetic we are, in our cravats and our polished boots". Baudelaire also supplied a suggestion of what the role of the art critic should be: "[to] provide the untutored art lover with a useful guide to help develop his own feeling for art " and to demand of a truly modern artist "a fresh, honest expression of his temperament, assisted by whatever aid his mastery of technique can give him".

Baudelaire saw himself very much as the literary equal of the modern artist and in January 1847 published a novella entitled La Fanfarlo which drew the analogy with a modern painter's self-portrait. It was also at this time that he became involved in the riots that overthrew King Louis-Philippe in 1848. To begin with, he, and friends including Gustave Courbet , stood by and observed as the riots unfolded. But rather than remain a sympathetic observer, Baudelaire joined the rebels.

He had shown no radical political allegiances hitherto (if anything had been more sympathetic towards the interests of the petit-bourgeois class in which he had been born) and many in his circle were taken aback by his actions.

It is possible (likely even) that his actions were an attempt to anger his family; especially his stepfather who was a symbol of the French establishment (some unsubstantiated accounts suggest Baudelaire was seen brandishing a musket and urging insurgents to "shoot general Aupick"). As the riots were quickly put down by King Charles X, Baudelaire was once more absorbed by his literary pursuits and in 1848 he co-founded a news-sheet entitled Le Salut Public . Though funds only allowed for two issues it helped raise Baudelaire's creative profile. Baudelaire also took an active part in the resistance to the Bonapartist military coup in December 1851 but declared soon after that his involvement in political matters was over and he would, henceforward, devote all his intellectual passions to his writings.

Between 1848 and 1865 Baudelaire undertook one of his most important projects, the French translation of the complete works of Edgar Allan Poe. More so than his art criticism and his poetry, his translations would provide Baudelaire with the most reliable source of income throughout his career (his other notable translation came in 1860 through the conversion of the English essayist Thomas De Quincey's "Confessions of an English Opium-Eater"). Baudelaire, who felt a near-spiritual affinity with the author - "I have discovered an American author who has aroused my sympathetic interest to an incredible degree" he wrote - provided a critical introduction to each of the translated works. Indeed, Baudelaire's friend and fellow author Armand Fraisse, stated that he "identified so thoroughly with [Poe] that, as one turns the pages, it is just like reading an original work". Though Baudelaire almost single-handedly introduced Poe to the French speaking public, his translations would attract controversy with some critics accusing the Frenchman of taking some of the American's words to use in his own poems. Though these allegations proved unfounded, it is widely accepted that through his interest in Poe (and, indeed, the theorist Joseph de Maistre whose writing he also admired) Baudelaire's own worldview became increasingly misanthropic.

Despite his growing reputation as an art critic and translator - a success that would smooth the path to the publication of his poetry - financial struggles continued to plague the profligate Baudelaire. According to Hemmings, between 1847 and 1856 things became so bad for the writer that he was, "homeless, cold, starving, and in rags for much of the time". His mother tried periodically to return to her son's good graces but she was unable to accept that he was still, despite his obsession with the society courtesan Apollonie Sabaier (a new muse to whom he addressed several poems) and, later still, a passing affair with the actress Marie Daubrun, involved with his mistress Jeanne Duval.

Baudelaire's reputation as a rebel poet was confirmed in June 1857 with the publication of his masterpiece Les Fleurs du Mal (The Flowers of Evil) . Although an anthology, Baudelaire insisted that the individual poems only achieved their full meaning when read in relation to one another; as part of a "singular framework" as he put it. In addition to its shifting views of romantic and physical love, the collected pieces covered Baudelaire's views on art, beauty, and the idea of the artist as martyr, visionary, pariah and/or even fool.

Now considered a landmark in French literary history, it met with controversy on publication when a selection of 13 (from 100) poems were denounced by the press as pornographic. On July 7, 1857 the Ministry of the Interior arranged for a case to be brought before the public prosecutor on charges relating to public morality. Unsold copies of the book were seized and a trial was held on the 20 th of August when six of the poems were found to be indecent. As well as the demand to remove the offending entries, Baudelaire received a fine of 50 francs (reduced on appeal from 300 francs). Disgusted by the court's decision, Baudelaire refused to let his publisher remove the poems and instead wrote 20-or-so new poems to be included in a revised extended edition published in 1861. (The banned six poems were later republished in Belgium in 1866 in the collection Les Épaves ( Wreckage ) with the official French ban on the original edition not lifted until 1949.)

Baudelaire seemed unable to comprehend the controversy his publication had aroused: "no one, including myself, could suppose that a book imbued with such an evident and ardent spirituality [...] could be made the object of a prosecution, or rather could have given rise to misunderstanding" he wrote. Professor André Guyaux describes how the trial, "was not due to the sudden displeasure of a few magistrates. It was the result of an orchestrated press campaign denouncing a 'sick' book [and even] though Baudelaire achieved rapid fame, all those who refused to acknowledge his genius considered him to be dangerous. And there were quite a few". This trial, and the controversy surrounding it, made Baudelaire a household name in France but it also prevented him from achieving commercial success.

The weight of the trial, his poor living conditions, and a lack of money weighed heavily on Baudelaire and he sunk once more into depression. His physical health was also beginning to seriously decline due to developing complications with syphilis. He started to take a morphine-based tincture (laudanum) which led in turn to an opium dependency. According to Hemmings, "from 1856 onwards, the venereal infection, alcoholic excess and opium addiction were working in an unholy alliance to push Baudelaire down to an early grave". Things with his family did not improve either. Even after his stepfather's death in April 1857, he and his mother were unable to properly reconcile because of the disgrace she felt at him being publicly denounced as a pornographer.

Later Period

Baudelaire and Manet formed a friendship that proved to be one of the most significant in the history of art; the painter realizing at last the poet's vision of converting Romanticism to Modernismmodernism. The two men became personally acquainted in 1862 after Manet had painted a portrait of Baudelaire's (on/off) mistress Jeanne Duval. It is thought that the artist intended his portrait to be a viewed specifically by Baudelaire in recognition of the positive notice the writer had given him in his recently published essay "L'eau-forte est â la mode" ("Etching is in Fashion").

Having bonded, the two friends would stroll together in the grounds of the Tuileries Gardens where Baudelaire observed Manet complete several etchings. Baudelaire convinced his friend to be brave; to ignore academic rules by using an "abbreviated" painting style that used light brush strokes to capture the transient atmosphere of frivolous urban life. Indeed, it was on Baudelaire's recommendation that Manet painted the canonical Music in the Tuileries Gardens (1862). Cited by many as the first truly modernist painting, Manet's image captures a "glimpse" of everyday Parisian life as a fashionable crowd gathers in the Gardens to listen to an open-air concert. The painting was so topical it featured a cast of the artist's own family and personal acquaintances including Baudelaire, Théophile Gautier, Henri Fantin-Latour , Jacques Offenbach and Manet's brother Eugène. Manet himself also features as an onlooker in a gesture that alludes to the idea of the flâneur as an agent of the age of modernity.

It was during the same period that Baudelaire abandoned his commitment to verse in favor of the prose poem; or what Baudelaire called the "non-metrical compositions poem". Though precedents can be found in the poetry of the German Friedrich Hölderlin and the French Louis Bertrand, Baudelaire is widely credited as being the first to give "prose poetry" its name since it was he who most flagrantly disobeyed the aesthetic conventions of the verse (or "metrical") method. Structured on a tension between critical writing and the patterns of verse, the prose poems accommodate symbolism, metaphors, incongruities and contradictions and Baudelaire published a selection of 20 prose poems in La Presse in 1862, followed by a further six, titled Le Spleen de Paris , in Le Figaro magazine two years later. One of his final prose poems, La Corde (The Rope) (1864), was dedicated to Manet's portrait Boy with Cherries (1859).

While Manet and Baudelaire had by now become close friends, it was the draftsman Constantin Guys who emerged as Baudelaire's hero in his 1863 essay, " Le Peintre de la vie moderne " ("The Painter of Modern Life"). The essay amounted to a formal and thematic blueprint of the Impressionism movement nearly a decade before that school came to dominate the avant-garde . There was no little irony in Baudelaire's focus on the little-known Guys given that it was Manet who emerged as the leading light in the development of Impressionism. According to the art historian Alan Bowness it was in fact Baudelaire's friendship "that gave Manet the encouragement to plunge into the unknown to find the new, and in doing so to become the true painter of modern life".

In the last years of his life, Baudelaire fell into a deep depression and once more contemplated suicide. He attempted to improve his state of mind (and earn money) by giving readings and lectures, and in April 1864 he left Paris for an extended stay in Brussels. He had hoped to persuade a Belgium publisher to print his compete works but his fortunes failed to improve and he was left feeling deeply embittered. Indeed, in a letter to Manet he urged his friend to "never believe what you may hear about the good nature of the Belgians". Baudelaire and Manet were in fact kindred spirits with the painter receiving the same sort of critical backlash for Olympia (following its first showing at the Paris Salon of 1865) as Baudelaire had for Les Fleurs du Mal . Manet wrote to Baudelaire telling him of his despair over Olympia's reception and Baudelaire rallied behind him, though not with soothing platitudes so much as with his own inimitable brand of reassurance: "do you think you are the first man placed in this situation?", he wrote, "Is yours a greater talent than Chateaubriand's and Wagner's? They too were derided. It did not kill them".

In the summer of 1866 Baudelaire, stricken down by paralysis and aphasia, collapsed in the Church of Saint-Loup at Namur. His mother collected her son from Brussels and took him back to Paris where he was admitted to a nursing home. He never left the home and died there the following year aged just 46.

The Legacy of Charles Baudelaire

Many of Baudelaire's writings were unpublished or out of print at the time of his death but his reputation as a poet was already secure with Stephane Mallarmé, Paul Valaine and Arthur Rimbaud all citing him as an influence. Moving into the twentieth century, literary luminaries as wide ranging as Jean-Paul Sartre, Robert Lowell and Seamus Heaney have acclaimed his writing. His influence on the modern art world was quick to take effect too; not just with Manet and the Impressionist, but also with future members of the Symbolism movement (several of whom attended his funeral) who had already declared themselves devotees. His prose poetry, so rich in metaphor, would also directly inspire the Surrealists with André Breton lauding Baudelaire in Le Surréalisme et La Peinture as a champion "of the imagination".

Baudelaire's contribution to the age of modernity was profound. As professor André Guyaux observed, he was "obsessed with the idea of modernity [and in fact] gave the word its full meaning". But no single figure did more to cement Baudelaire's legend than the influential German philosopher and critic Walter Benjamin whose collected essays on Baudelaire, The Writer of Modern Life , claimed the Frenchman as a new hero of the modern age and positioned him at the very center of the social and cultural history of mid-to-late nineteenth-century Paris. It was Benjamin who transported Baudelaire's flâneur into the twentieth century, figuring him as an essential component of our understandings of modernity, urbanisation and class alienation.

Influences and Connections

Useful Resources on Charles Baudelaire

• Baudelaire the Damned: A Biography Our Pick By F.W.J. Hemmings
• Charles Baudelaire Our Pick By Rosemary Lloyd
• Baudelaire: Selected Writings on Art and Literature Our Pick By Charles Baudelaire
• The Flowers of Evil/Les Fleurs du Mal By Charles Baudelaire
• Charles Baudelaire's Fleurs du Mal
• Pairing Charles Baudelaire's Words with the Art of His Time Our Pick By Joseph Nechvatal / Hyperallergic / January 4, 2017
• Why Baudelaire Continues to Fascinate Our Pick By Francis Lecompte / CNRS News - The French National Center for Scientific Research / November 14, 2017
• L'homme et la Mer (Man and the Sea) by Charles Baudelaire This video contains a short film adaptation of Charles Baudelaire's poem L'homme et la Mer by German filmmaker Patrick Müller. The poem is from Baudelaire's iconic and controversial Les Fleurs du Mal collection
• Why French poet Charles Baudelaire was the godfather of Goths The Conversation / This article describes the influence of Charles Baudelaire on the Goth culture. It includes an embedded video of the rock band The Cure performing their 1987 song "How Beautiful You Are," which is an adaptation of Baudelaire's prose poem The Eyes of the Poor

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Les fleurs du mal : Charles Baudelaire : introduction, contexte...

Par melbmelb   •  31 Janvier 2022  •  Compte rendu  •  262 Mots (2 Pages)  •  8 043 Vues

Les fleurs du mal : Charles Baudelaire : introduction, contexte…

Charles Baudelaire, poète du 19 ème  siècle, est un poète dit « maudit », ce dernier est né en 1821 et décède en 1867. IL n’appartient à aucuns mouvements littéraires mais s’inspire du romantisme, du réalisme, du symbolisme ainsi que du parnasse. Ses œuvres son principalement basé sur des contradictions, il exagère tout la plupart du temps. Le recueil Les fleurs du mal est désigné comme l’œuvre de sa vie. Baudelaire publie ce livre en 1857 mais peu de temps après cela il sera condamné pour « atteinte à la morale publique et aux bonnes mœurs », il doit donc supprimer six de ses poèmes, ce qui change un peu la tournure du recueil. Le titre est basé sur un oxymore : les fleurs représentant le beau alors que le mal représente le laid.

C’est le premier à introduire la ville en poésie.

Il est imprégné de romantisme mais précurseur de symbolisme

Il se voit comme un génie

C’est le porte-parole de la modernité poétique

Dans le recueil il y a six séctions, elles ne sont pas rangées au hasard, en réalité cela raconte en quelque sorte une histoire ayant donc un début et une fin. Cela débute avec ‘spleen et idéal’ où tout est beau, un monde « parfait » puis la dernière section est la mort, Baudelaire tout doucement nous amène vers la « descente aux enfers » alors qu’il avait pour but d’atteindre l’idéal esthétique

Spleen et idéal=opposés [pic 1]

Idéal=un monde de beau, un monde d’ordre

Spleen= état morbide, mélancolie, angoisse existentielle

Alchimie= transformation

Parcours= la boue et l’or

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Ubc theses and dissertations, charles baudelaire et la pensee litteraire d'edgar allan poe plant, john frederick --> -->.

The purpose of this thesis is to consider the extent to which Edgar Allan Poe’s literary thought influenced Charles Baudelaire, Chapter one will explain when and how Baudelaire became acquainted with the works of the American writer. It will be seen that from his first readings of Poe, the Frenchman was profoundly moved; he felt that he had discovered a “frère spiritual." Baudelaire devoted almost seventeen years to the task of finding out all he could about Poe, writing articles about him and translating many of his works, the latter resulting in what is often considered to be one of the finest translations in literature. In chapter two it will be noted that there were many biographical affinities between the two writers, but that Baudelaire, in his articles on Poe, often emphasized the similarities and alluded only briefly to some of the basic differences. This can be explained by the fact that the French poet was determined that he and Poe should resemble each other. However, if the biographical similarities are often exaggerated by Baudelaire, the esthetic and artistic affinities offer a far more solid basis for comparison. Indeed, as chapter three will attempt to show, both poets shared many of the same precepts governing poetry, such as the ideal length of a poem, the role of music in verse, and the primordial importance of poetry in the life of man. Early critics tended to attribute these similarities to Poe's influence on Baudelaire. Nowadays, however, scholars tend more to ascribe this somewhat unique literary phenomenon to common influences working independently on the two poets. The general consensus is that Baudelaire's esthetic and artistic outlook was almost completely formed before he became acquainted with Poe's works. A chronological examination of some of the Frenchman's poems would appear to corroborate this theory. On the other hand, there are a number of poems which Baudelaire dedicated to a certain Madame Sabatier, in which may be seen ideas, images and even complete phrases which resemble Poe to such a degree that one is all but forced to conclude that they must result from Baudelaire's familiarity with the American's works. Chapter four discusses some of5ssthe more outstanding similarities which occur in this group, known as the "cycle de Madame Sabatier." In conclusion, it may be said that, with the exception of the Sabatier poems, Poe did not transform Baudelaire's fundamental literary outlook and added nothing to his genius. On the other hand, and of the utmost importance in a man of Baudelaire's somewhat unstable make-up, the Frenchman saw in his idol a kind of vindication of his own ideals and derived from him a certain faith in the value of his own genius. Approved as abstract:

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How to Write a Dissertation Conclusion | Checklist and Examples

Published on 9 September 2022 by Tegan George and Shona McCombes. Revised on 10 October 2022.

The conclusion is the very last part of your thesis or dissertation . It should be concise and engaging, leaving your reader with a clear understanding of your main findings, as well as the answer to your research question .

In it, you should:

• Clearly state the answer to your main research question
• Summarise and reflect on your research process
• Make recommendations for future work on your topic
• Show what new knowledge you have contributed to your field
• Wrap up your thesis or dissertation

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Table of contents

Discussion vs. conclusion, how long should your conclusion be, step 1: answer your research question, step 2: summarise and reflect on your research, step 3: make future recommendations, step 4: emphasise your contributions to your field, step 5: wrap up your thesis or dissertation, full conclusion example, conclusion checklist, frequently asked questions about conclusion sections.

While your conclusion contains similar elements to your discussion section , they are not the same thing.

Your conclusion should be shorter and more general than your discussion. Instead of repeating literature from your literature review , discussing specific research results , or interpreting your data in detail, concentrate on making broad statements that sum up the most important insights of your research.

As a rule of thumb, your conclusion should not introduce new data, interpretations, or arguments.

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Correct my document today

Depending on whether you are writing a thesis or dissertation, your length will vary. Generally, a conclusion should make up around 5–7% of your overall word count.

An empirical scientific study will often have a short conclusion, concisely stating the main findings and recommendations for future research. A humanities topic or systematic review , on the other hand, might require more space to conclude its analysis, tying all the previous sections together in an overall argument.

Your conclusion should begin with the main question that your thesis or dissertation aimed to address. This is your final chance to show that you’ve done what you set out to do, so make sure to formulate a clear, concise answer.

• Don’t repeat a list of all the results that you already discussed
• Do synthesise them into a final takeaway that the reader will remember.

An empirical thesis or dissertation conclusion may begin like this:

A case study –based thesis or dissertation conclusion may begin like this:

In the second example, the research aim is not directly restated, but rather added implicitly to the statement. To avoid repeating yourself, it is helpful to reformulate your aims and questions into an overall statement of what you did and how you did it.

Your conclusion is an opportunity to remind your reader why you took the approach you did, what you expected to find, and how well the results matched your expectations.

To avoid repetition , consider writing more reflectively here, rather than just writing a summary of each preceding section. Consider mentioning the effectiveness of your methodology , or perhaps any new questions or unexpected insights that arose in the process.

You can also mention any limitations of your research, but only if you haven’t already included these in the discussion. Don’t dwell on them at length, though – focus on the positives of your work.

• While x limits the generalisability of the results, this approach provides new insight into y .
• This research clearly illustrates x , but it also raises the question of y .

Prevent plagiarism, run a free check.

You may already have made a few recommendations for future research in your discussion section, but the conclusion is a good place to elaborate and look ahead, considering the implications of your findings in both theoretical and practical terms.

• Based on these conclusions, practitioners should consider …
• To better understand the implications of these results, future studies could address …
• Further research is needed to determine the causes of/effects of/relationship between …

When making recommendations for further research, be sure not to undermine your own work. Relatedly, while future studies might confirm, build on, or enrich your conclusions, they shouldn’t be required for your argument to feel complete. Your work should stand alone on its own merits.

Just as you should avoid too much self-criticism, you should also avoid exaggerating the applicability of your research. If you’re making recommendations for policy, business, or other practical implementations, it’s generally best to frame them as ‘shoulds’ rather than ‘musts’. All in all, the purpose of academic research is to inform, explain, and explore – not to demand.

Make sure your reader is left with a strong impression of what your research has contributed to the state of your field.

Some strategies to achieve this include:

• Returning to your problem statement to explain how your research helps solve the problem
• Referring back to the literature review and showing how you have addressed a gap in knowledge
• Discussing how your findings confirm or challenge an existing theory or assumption

Again, avoid simply repeating what you’ve already covered in the discussion in your conclusion. Instead, pick out the most important points and sum them up succinctly, situating your project in a broader context.

The end is near! Once you’ve finished writing your conclusion, it’s time to wrap up your thesis or dissertation with a few final steps:

• It’s a good idea to write your abstract next, while the research is still fresh in your mind.
• Next, make sure your reference list is complete and correctly formatted. To speed up the process, you can use our free APA citation generator .
• Once you’ve added any appendices , you can create a table of contents and title page .
• Finally, read through the whole document again to make sure your thesis is clearly written and free from language errors. You can proofread it yourself , ask a friend, or consider Scribbr’s proofreading and editing service .

Here is an example of how you can write your conclusion section. Notice how it includes everything mentioned above:

V. Conclusion

The current research aimed to identify acoustic speech characteristics which mark the beginning of an exacerbation in COPD patients.

The central questions for this research were as follows: 1. Which acoustic measures extracted from read speech differ between COPD speakers in stable condition and healthy speakers? 2. In what ways does the speech of COPD patients during an exacerbation differ from speech of COPD patients during stable periods?

All recordings were aligned using a script. Subsequently, they were manually annotated to indicate respiratory actions such as inhaling and exhaling. The recordings of 9 stable COPD patients reading aloud were then compared with the recordings of 5 healthy control subjects reading aloud. The results showed a significant effect of condition on the number of in- and exhalations per syllable, the number of non-linguistic in- and exhalations per syllable, and the ratio of voiced and silence intervals. The number of in- and exhalations per syllable and the number of non-linguistic in- and exhalations per syllable were higher for COPD patients than for healthy controls, which confirmed both hypotheses.

However, the higher ratio of voiced and silence intervals for COPD patients compared to healthy controls was not in line with the hypotheses. This unpredicted result might have been caused by the different reading materials or recording procedures for both groups, or by a difference in reading skills. Moreover, there was a trend regarding the effect of condition on the number of syllables per breath group. The number of syllables per breath group was higher for healthy controls than for COPD patients, which was in line with the hypothesis. There was no effect of condition on pitch, intensity, center of gravity, pitch variability, speaking rate, or articulation rate.

This research has shown that the speech of COPD patients in exacerbation differs from the speech of COPD patients in stable condition. This might have potential for the detection of exacerbations. However, sustained vowels rarely occur in spontaneous speech. Therefore, the last two outcome measures might have greater potential for the detection of beginning exacerbations, but further research on the different outcome measures and their potential for the detection of exacerbations is needed due to the limitations of the current study.

Checklist: Conclusion

I have clearly and concisely answered the main research question .

I have summarized my overall argument or key takeaways.

I have mentioned any important limitations of the research.

I have given relevant recommendations .

I have clearly explained what my research has contributed to my field.

I have  not introduced any new data or arguments.

You've written a great conclusion! Use the other checklists to further improve your dissertation.

In a thesis or dissertation, the discussion is an in-depth exploration of the results, going into detail about the meaning of your findings and citing relevant sources to put them in context.

The conclusion is more shorter and more general: it concisely answers your main research question and makes recommendations based on your overall findings.

While it may be tempting to present new arguments or evidence in your thesis or disseration conclusion , especially if you have a particularly striking argument you’d like to finish your analysis with, you shouldn’t. Theses and dissertations follow a more formal structure than this.

All your findings and arguments should be presented in the body of the text (more specifically in the discussion section and results section .) The conclusion is meant to summarize and reflect on the evidence and arguments you have already presented, not introduce new ones.

For a stronger dissertation conclusion , avoid including:

• Generic concluding phrases (e.g. “In conclusion…”)
• Weak statements that undermine your argument (e.g. “There are good points on both sides of this issue.”)

Your conclusion should leave the reader with a strong, decisive impression of your work.

The conclusion of your thesis or dissertation shouldn’t take up more than 5-7% of your overall word count.

The conclusion of your thesis or dissertation should include the following:

• A restatement of your research question
• A summary of your key arguments and/or results
• A short discussion of the implications of your research

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George, T. & McCombes, S. (2022, October 10). How to Write a Dissertation Conclusion | Checklist and Examples. Scribbr. Retrieved 9 June 2024, from https://www.scribbr.co.uk/thesis-dissertation/conclusion/

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Tegan George

Other students also liked, how to write a thesis or dissertation introduction, how to write a discussion section | tips & examples, how to write an abstract | steps & examples.

How To Write The Conclusion Chapter

A Simple Explainer With Examples + Free Template

By: Jenna Crossley (PhD) | Reviewed By: Dr. Eunice Rautenbach | September 2021

So, you’ve wrapped up your results and discussion chapters, and you’re finally on the home stretch – the conclusion chapter . In this post, we’ll discuss everything you need to know to craft a high-quality conclusion chapter for your dissertation or thesis project.

Overview: The Conclusion Chapter

• What the thesis/dissertation conclusion chapter is
• What to include in your conclusion
• How to structure and write up your conclusion
• A few tips  to help you ace the chapter
• FREE conclusion template

What is the conclusion chapter?

The conclusion chapter is typically the final major chapter of a dissertation or thesis. As such, it serves as a concluding summary of your research findings and wraps up the document. While some publications such as journal articles and research reports combine the discussion and conclusion sections, these are typically separate chapters in a dissertation or thesis. As always, be sure to check what your university’s structural preference is before you start writing up these chapters.

So, what’s the difference between the discussion and the conclusion chapter?

Well, the two chapters are quite similar , as they both discuss the key findings of the study. However, the conclusion chapter is typically more general and high-level in nature. In your discussion chapter, you’ll typically discuss the intricate details of your study, but in your conclusion chapter, you’ll take a   broader perspective, reporting on the main research outcomes and how these addressed your research aim (or aims) .

A core function of the conclusion chapter is to synthesise all major points covered in your study and to tell the reader what they should take away from your work. Basically, you need to tell them what you found , why it’s valuable , how it can be applied , and what further research can be done.

Whatever you do, don’t just copy and paste what you’ve written in your discussion chapter! The conclusion chapter should not be a simple rehash of the discussion chapter. While the two chapters are similar, they have distinctly different functions.  

What should I include in the conclusion chapter?

To understand what needs to go into your conclusion chapter, it’s useful to understand what the chapter needs to achieve. In general, a good dissertation conclusion chapter should achieve the following:

• Summarise the key findings of the study
• Explicitly answer the research question(s) and address the research aims
• Inform the reader of the study’s main contributions
• Discuss any limitations or weaknesses of the study
• Present recommendations for future research

Therefore, your conclusion chapter needs to cover these core components. Importantly, you need to be careful not to include any new findings or data points. Your conclusion chapter should be based purely on data and analysis findings that you’ve already presented in the earlier chapters. If there’s a new point you want to introduce, you’ll need to go back to your results and discussion chapters to weave the foundation in there.

In many cases, readers will jump from the introduction chapter directly to the conclusions chapter to get a quick overview of the study’s purpose and key findings. Therefore, when you write up your conclusion chapter, it’s useful to assume that the reader hasn’t consumed the inner chapters of your dissertation or thesis. In other words, craft your conclusion chapter such that there’s a strong connection and smooth flow between the introduction and conclusion chapters, even though they’re on opposite ends of your document.

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How to write the conclusion chapter

Now that you have a clearer view of what the conclusion chapter is about, let’s break down the structure of this chapter so that you can get writing. Keep in mind that this is merely a typical structure – it’s not set in stone or universal. Some universities will prefer that you cover some of these points in the discussion chapter , or that you cover the points at different levels in different chapters.

Step 1: Craft a brief introduction section

As with all chapters in your dissertation or thesis, the conclusions chapter needs to start with a brief introduction. In this introductory section, you’ll want to tell the reader what they can expect to find in the chapter, and in what order . Here’s an example of what this might look like:

This chapter will conclude the study by summarising the key research findings in relation to the research aims and questions and discussing the value and contribution thereof. It will also review the limitations of the study and propose opportunities for future research.

Importantly, the objective here is just to give the reader a taste of what’s to come (a roadmap of sorts), not a summary of the chapter. So, keep it short and sweet – a paragraph or two should be ample.

Step 2: Discuss the overall findings in relation to the research aims

The next step in writing your conclusions chapter is to discuss the overall findings of your study , as they relate to the research aims and research questions . You would have likely covered similar ground in the discussion chapter, so it’s important to zoom out a little bit here and focus on the broader findings – specifically, how these help address the research aims .

In practical terms, it’s useful to start this section by reminding your reader of your research aims and research questions, so that the findings are well contextualised. In this section, phrases such as, “This study aimed to…” and “the results indicate that…” will likely come in handy. For example, you could say something like the following:

This study aimed to investigate the feeding habits of the naked mole-rat. The results indicate that naked mole rats feed on underground roots and tubers. Further findings show that these creatures eat only a part of the plant, leaving essential parts to ensure long-term food stability.

Be careful not to make overly bold claims here. Avoid claims such as “this study proves that” or “the findings disprove existing the existing theory”. It’s seldom the case that a single study can prove or disprove something. Typically, this is achieved by a broader body of research, not a single study – especially not a dissertation or thesis which will inherently have significant  limitations . We’ll discuss those limitations a little later.

Step 3: Discuss how your study contributes to the field

Next, you’ll need to discuss how your research has contributed to the field – both in terms of theory and practice . This involves talking about what you achieved in your study, highlighting why this is important and valuable, and how it can be used or applied.

In this section you’ll want to:

• Mention any research outputs created as a result of your study (e.g., articles, publications, etc.)
• Inform the reader on just how your research solves your research problem , and why that matters
• Reflect on gaps in the existing research and discuss how your study contributes towards addressing these gaps
• Discuss your study in relation to relevant theories . For example, does it confirm these theories or constructively challenge them?
• Discuss how your research findings can be applied in the real world . For example, what specific actions can practitioners take, based on your findings?

Be careful to strike a careful balance between being firm but humble in your arguments here. It’s unlikely that your one study will fundamentally change paradigms or shake up the discipline, so making claims to this effect will be frowned upon . At the same time though, you need to present your arguments with confidence, firmly asserting the contribution your research has made, however small that contribution may be. Simply put, you need to keep it balanced .

Step 4: Reflect on the limitations of your study

Now that you’ve pumped your research up, the next step is to critically reflect on the limitations and potential shortcomings of your study. You may have already covered this in the discussion chapter, depending on your university’s structural preferences, so be careful not to repeat yourself unnecessarily.

There are many potential limitations that can apply to any given study. Some common ones include:

• Sampling issues that reduce the generalisability of the findings (e.g., non-probability sampling )
• Insufficient sample size (e.g., not getting enough survey responses ) or limited data access
• Low-resolution data collection or analysis techniques
• Researcher bias or lack of experience
• Lack of access to research equipment
• Time constraints that limit the methodology (e.g. cross-sectional vs longitudinal time horizon)
• Budget constraints that limit various aspects of the study

Discussing the limitations of your research may feel self-defeating (no one wants to highlight their weaknesses, right), but it’s a critical component of high-quality research. It’s important to appreciate that all studies have limitations (even well-funded studies by expert researchers) – therefore acknowledging these limitations adds credibility to your research by showing that you understand the limitations of your research design .

That being said, keep an eye on your wording and make sure that you don’t undermine your research . It’s important to strike a balance between recognising the limitations, but also highlighting the value of your research despite those limitations. Show the reader that you understand the limitations, that these were justified given your constraints, and that you know how they can be improved upon – this will get you marks.

Next, you’ll need to make recommendations for future studies. This will largely be built on the limitations you just discussed. For example, if one of your study’s weaknesses was related to a specific data collection or analysis method, you can make a recommendation that future researchers undertake similar research using a more sophisticated method.

Another potential source of future research recommendations is any data points or analysis findings that were interesting or surprising , but not directly related to your study’s research aims and research questions. So, if you observed anything that “stood out” in your analysis, but you didn’t explore it in your discussion (due to a lack of relevance to your research aims), you can earmark that for further exploration in this section.

Essentially, this section is an opportunity to outline how other researchers can build on your study to take the research further and help develop the body of knowledge. So, think carefully about the new questions that your study has raised, and clearly outline these for future researchers to pick up on.

Step 6: Wrap up with a closing summary

Tips for a top-notch conclusion chapter

Now that we’ve covered the what , why and how of the conclusion chapter, here are some quick tips and suggestions to help you craft a rock-solid conclusion.

• Don’t ramble . The conclusion chapter usually consumes 5-7% of the total word count (although this will vary between universities), so you need to be concise. Edit this chapter thoroughly with a focus on brevity and clarity.
• Be very careful about the claims you make in terms of your study’s contribution. Nothing will make the marker’s eyes roll back faster than exaggerated or unfounded claims. Be humble but firm in your claim-making.
• Use clear and simple language that can be easily understood by an intelligent layman. Remember that not every reader will be an expert in your field, so it’s important to make your writing accessible. Bear in mind that no one knows your research better than you do, so it’s important to spell things out clearly for readers.

Hopefully, this post has given you some direction and confidence to take on the conclusion chapter of your dissertation or thesis with confidence. If you’re still feeling a little shaky and need a helping hand, consider booking a free initial consultation with a friendly Grad Coach to discuss how we can help you with hands-on, private coaching.

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17 Comments

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Your guide on writing the concluding chapter of a research is really informative especially to the beginners who really do not know where to start. Im now ready to start. Keep it up guys

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This post was very helpful and informative. Thank you team.

A very enjoyable, understandable and crisp presentation on how to write a conclusion chapter. I thoroughly enjoyed it. Thanks Jenna.

This was a very helpful article which really gave me practical pointers for my concluding chapter. Keep doing what you are doing! It meant a lot to me to be able to have this guide. Thank you so much.

Nice content dealing with the conclusion chapter, it’s a relief after the streneous task of completing discussion part.Thanks for valuable guidance

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I get all my doubts clarified regarding the conclusion chapter. It’s really amazing. Many thanks.

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Thank you very much for this piece. It offers a very helpful starting point in writing the conclusion chapter of my thesis.

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Wonderful, clear, practical guidance. So grateful to read this as I conclude my research. Thank you.

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